Storia delle Terme di Diocleziano

La storia delle Terme di Diocleziano è segnata da grandi cambiamenti architettonici e culturali, riflettendo le diverse epoche attraverso le quali il complesso è passato.

Fondazione e Apogeo

Le Terme di Diocleziano furono costruite su ordine dell’imperatore Massimiano nel 298 d.C. e completate nel 306 d.C., simboleggiando non solo un luogo di riposo e pulizia ma anche di potere e prestigio. Situate nel cuore di Roma, queste terme potevano ospitare fino a 3000 persone contemporaneamente, dimostrando la grandezza e l’avanzamento tecnologico romano. La struttura era dotata di un sofisticato sistema di riscaldamento sottoterra chiamato hypocaustum, e le sale erano magnificamente decorate con marmi, affreschi e statue.

Declino e Trasformazioni

Dopo il crollo dell’Impero Romano, le terme subirono un lento declino. Nel corso del V secolo, parti del complesso furono convertite in luoghi di culto e cimiteri cristiani. La famosa Aula Ottagona divenne parte di una basilica, mentre altri ambienti furono adibiti a sepoltura o a catacombe. Nel Medioevo, le strutture furono ulteriormente modificate e subirono danneggiamenti e saccheggi, perdendo la loro originaria funzione di bagni pubblici.

Restauro e Conservazione

Il rinascimento delle Terme di Diocleziano inizia nel XVI secolo quando furono parzialmente restaurate per ospitare il convento di Santa Maria degli Angeli, progettato da Michelangelo. Da quel momento, l’interesse storico e culturale verso il complesso crebbe progressivamente, culminando nei restauri del XIX e XX secolo che hanno portato alla loro attuale configurazione museale. Oggi, le Terme sono non solo un monumento storico ma anche un centro culturale attivo, che ospita esposizioni, eventi artistici e conferenze, mantenendo viva la loro eredità attraverso i secoli.

Cosa vedere

Le Terme di Diocleziano offrono una varietà di attrazioni storiche e artistiche, suddivise in aree specifiche che includono esposizioni museali permanenti e collezioni di opere d’arte di inestimabile valore. Ogni spazio del complesso termale è stato sapientemente restaurato per mostrare il suo significato storico e culturale.

Esposizione museale

Il museo all’interno delle Terme di Diocleziano è articolato in diverse aree espositive e sale che custodiscono reperti archeologici e opere d’arte che spaziano dal periodo antico fino al Rinascimento. Queste collezioni offrono uno spaccato della vita sociale, artistica e religiosa dell’antica Roma.

Le sale

Il percorso espositivo è diviso in varie sale, ognuna dedicata a tematiche specifiche:

• Sala delle Epigrafi: Ospita una delle più ricche collezioni di epigrafi latine, che illuminano aspetti della vita quotidiana, sociale e politica di Roma antica.
• Sala degli Ori e dei Gioielli: Conserva gioielli e oggetti preziosi che mostrano l’evoluzione degli stili e delle tecniche orafe romane.
• Sala delle Sculture: Espone sculture di marmo che vanno dai busti imperatori a statue complete che rappresentano divinità e figure mitologiche.
• Aula Ottagona: Anticamente parte delle terme, oggi questa sala ospita mostre temporanee e installazioni artistiche.

Aree espositive

Le aree espositive principali includono:

• Antiquarium: Questo spazio mostra reperti che illustrano la funzione originale delle terme e la loro trasformazione nel tempo.
• Galleria delle Statue: Un corridoio adornato con statue di varie epoche, che offre una vista panoramica sull’arte scultorea romana.
• Chiostro di Michelangelo: Progettato da Michelangelo, questo chiostro è un capolavoro di architettura rinascimentale e oggi funge da ingresso principale al museo.

Opere maggiori

Le Terme di Diocleziano sono sede di numerose opere d’arte di rilevante importanza storica e artistica. Di seguito, alcune delle più significative:

• Il Calidario: La sala principale delle terme, dove si trovava l’acqua calda. Le sue imponenti strutture e i resti dei mosaici pavimentali offrono una visione dell’ingegneria romana.
• Statua di Ercole: Un’imponente scultura in marmo che rappresenta Ercole al riposo, simbolo di forza e vigore, rinvenuta durante gli scavi del XIX secolo.
• Mosaico delle Muse: Un magnifico mosaico che raffigura le nove Muse, divinità della creatività, che adorna uno dei pavimenti dell’aula ottagona.
• Busto di Caracalla: Uno dei pezzi più noti, questo busto rappresenta l’imperatore romano con una raffinatezza scultorea che evidenzia i tratti intensi e caratteristici del suo volto.
• Collezione Numismatica: Comprende monete antiche che coprono diverse ere romane, offrendo una prospettiva sullo sviluppo economico e culturale di Roma.

Le Terme di Diocleziano non sono solo un sito archeologico, ma un compendio di storia, arte e architettura che continua a educare e affascinare i visitatori di tutte le età.

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Storia del Palazzo Massimo

Il Palazzo Massimo alle Terme è un’istituzione chiave nel panorama culturale romano e italiano, rappresentando una delle quattro sedi del Museo Nazionale Romano. La sua storia riflette l’evoluzione artistica e culturale della città di Roma.

Dalla Fondazione al Rinascimento

Il palazzo fu originariamente costruito alla fine del 1800 come residenza della famiglia Massimo, una delle famiglie aristocratiche più influenti di Roma. L’architettura del palazzo riflette lo stile neoclassico, molto in voga in quel periodo, ideato per imitare l’eleganza e la grandiosità delle strutture antiche romane. Durante il Rinascimento, il palazzo divenne un importante centro culturale, attirando artisti, poeti e intellettuali che contribuirono alla vita artistica della città con le loro opere e i loro incontri.

Il Novecento: Un Nuovo Museo

Con l’avvento del XX secolo e il declino della famiglia Massimo, il palazzo subì diversi passaggi di proprietà fino a quando non fu acquistato dallo Stato italiano. Fu allora che iniziò la sua trasformazione in museo. Negli anni ’80, il palazzo fu sottoposto a un restauro conservativo che ha permesso di riportarlo al suo antico splendore e di adattarlo alle esigenze di una moderna istituzione museale. La scelta di utilizzare Palazzo Massimo come sede per esporre collezioni di arte antica fu dettata dalla necessità di avere uno spazio adeguatamente ampio e significativo, capace di ospitare la vasta gamma di opere.

Il Palazzo Oggi

Oggi, Palazzo Massimo è considerato uno dei più importanti musei di arte antica al mondo. La sua collezione comprende sculture, mosaici e affreschi che offrono una visione completa della vita e della cultura dell’antica Roma, dal periodo repubblicano fino al tardo impero. Il museo non solo conserva queste testimonianze storiche, ma le rende accessibili a tutti attraverso mostre e iniziative didattiche che illustrano il loro significato storico e culturale in un contesto moderno, permettendo ai visitatori di tutto il mondo di apprezzare la ricchezza e la complessità della storia romana.

Cosa vedere

Il Palazzo Massimo offre una varietà di collezioni che spaziano da reperti numismatici a grandi opere d’arte scultorea e pittorica, rendendo ogni visita un’esperienza unica ed educativa. Di seguito, vengono esplorate in dettaglio le principali aree espositive e le opere più significative.

Esposizione Museale

L’esposizione museale del Palazzo Massimo è organizzata in modo da offrire un percorso cronologico e tematico, che permette ai visitatori di immergersi completamente nella storia e nella cultura dell’antica Roma.

Le Sale

Le sale del Palazzo Massimo sono suddivise principalmente in quattro piani, ognuno dedicato a specifici ambiti della collezione:

• Piano Terra: Dedicato alla collezione numismatica, ospita una delle più ricche raccolte di monete antiche al mondo, dalla preistoria alla caduta dell’Impero Romano. Oltre 5000 pezzi che raccontano la storia economica, politica e sociale dell’antica Roma attraverso i suoi mezzi di scambio.
• Primo Piano: Concentrato sulle sculture, questo piano mostra evoluzioni stilistiche e iconografiche delle opere dall’età repubblicana fino al tardo impero. Include ritratti, rilievi storici e statue decorative provenienti da contesti pubblici e privati.
• Secondo Piano: Dedicato agli affreschi e ai mosaici, offre una vista spettacolare su opere provenienti da ville romane, come gli affreschi di Livia Drusilla dalla Villa di Livia e il celebre mosaico delle Colombe.
• Terzo Piano: Espone gioielli e preziosi che illustrano l’uso dei materiali preziosi nella decorazione personale e nella statuaria.

Aree Espositive

Ogni piano del palazzo è configurato per massimizzare l’esperienza visiva e informativa dei visitatori:

• Area Interattiva: Situata principalmente al piano terra, include display multimediali che permettono ai visitatori di esplorare in modo interattivo la storia delle collezioni.
• Area Didattica: Offre programmi educativi e laboratori, particolarmente utili per scuole e gruppi turistici, per comprendere meglio le tecniche artistiche e storiche dietro alle opere esposte.

Opere Maggiori

Il Palazzo Massimo custodisce alcune delle più importanti opere d’arte dell’antichità, che sono essenziali per comprendere non solo l’arte romana, ma anche la sua società, cultura e quotidiano.

• Statua di Augusto Pontefice Massimo: Questa statua ritrae Augusto in vesti sacerdotali, simbolo del suo ruolo religioso oltre che politico, evidenziando la sua abilità nel manipolare sia le sfere civiche che religiose di potere.
• Boxer in Riposo: Scultura in bronzo che rappresenta un pugile al termine di un incontro, con dettagli realistici che mostrano le cicatrici e la fatica fisica. È una delle poche rappresentazioni di atleti in un momento di vulnerabilità.
• Affreschi di Livia Drusilla: Provenienti dalla Villa di Livia, moglie di Augusto, questi affreschi sono celebri per la loro raffinatezza e per la vividezza dei colori, che hanno conservato la loro brillantezza per quasi duemila anni.
• Mosaico delle Colombe: Famoso mosaico che rappresenta colombe posate su una vasca, simbolo di pace e tranquillità, spesso interpretato come un allegoria della vita dopo la morte.

Queste opere non solo rappresentano il culmine dell’arte e della cultura romana, ma offrono anche spunti significativi sulla tecnologia, i materiali e le tecniche usate dai maestri dell’epoca.

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Storia del Palazzo Altemps

Il Palazzo Altemps, situato nel cuore di Roma, a pochi passi da Piazza Navona, è uno dei più importanti esempi di architettura rinascimentale che integra le collezioni d’arte antica. La sua storia è segnata da diverse fasi, dalla sua fondazione come residenza nobiliare fino alla sua attuale destinazione come museo.

Fondazione e Origini Rinascimentali

La costruzione del Palazzo Altemps inizia nel 1477 quando la famiglia Riario, imparentata con i papi Sisto IV e Giulio II, acquista un blocco di edifici medievali e decide di edificarvi una residenza signorile. Il palazzo è progettato per mostrare il potere e la cultura della famiglia, incorporando elementi architettonici rinascimentali che erano all’avanguardia per l’epoca.

Il Palazzo passa poi ai nipoti di Sisto IV, che continuano a espanderlo e abbellirlo. Importanti artisti del tempo, come Baldassarre Peruzzi e Giovanni da Udine, lavorano al suo arricchimento decorativo, introducendo stucchi, affreschi e una raccolta di sculture antiche che gettano le basi per le future collezioni museali.

Nel 1589, il palazzo viene acquistato da Marco Sittico Altemps (Markus Sittikus von Hohenems), un cardinale di origine austriaca, che dà il suo nome alla struttura. Sotto la sua proprietà, il Palazzo Altemps diventa un luogo di cultura e di raccolta di opere d’arte senza precedenti, arricchendosi ulteriormente di opere antiche, come le collezioni Ludovisi e Boncompagni.

Periodo Barocco e Successivi Cambi di Proprietà

Durante il Seicento, il Palazzo Altemps subisce trasformazioni significative con l’aggiunta di decorazioni barocche, soprattutto nei saloni principali e nelle cappelle interne. Questo periodo vede il palazzo arricchirsi di nuove opere d’arte e di una biblioteca imponente che attira intellettuali e artisti da tutta Europa.

Alla morte di Marco Sittico, il palazzo passa attraverso diverse mani, ospitando anche membri della Chiesa e della nobiltà romana, che continuano ad arricchire la collezione d’arte. Nel XVIII secolo, il palazzo entra in un periodo di declino, parzialmente abbandonato e utilizzato solo sporadicamente per eventi sociali.

Nel 1866, a seguito dell’Unità d’Italia, il palazzo viene acquistato dallo Stato Italiano che inizia un lungo processo di restauro. Questo processo è segnato dall’intenzione di trasformare l’edificio in un museo, destinazione che si concretizza completamente nel XX secolo.

Il Palazzo Altemps come Museo

Aperto al pubblico come parte del Museo Nazionale Romano nel 1997, Palazzo Altemps oggi ospita una delle più importanti collezioni di sculture antiche, che include pezzi provenienti dalla collezione Boncompagni Ludovisi, la collezione Egizia Altemps, e altre opere significative acquisite o donate nel tempo. La disposizione delle opere e la cura nella loro presentazione mirano a creare un dialogo tra le sculture e gli spazi architettonici rinascimentali e barocchi del palazzo.

La gestione del museo si concentra non solo sulla conservazione delle opere, ma anche sulla loro interpretazione e sul coinvolgimento del pubblico attraverso mostre temporanee, conferenze e attività educative che esplorano vari aspetti dell’arte antica e della sua storia. La riapertura di sale che erano state chiuse per restauro, e l’introduzione di nuove tecnologie per l’interazione dei visitatori hanno fatto del Palazzo Altemps un modello di museo moderno, impegnato nella divulgazione della cultura classica nel contesto urbano contemporaneo.

Sviluppi Recenti e Innovazioni

Negli ultimi anni, il Palazzo Altemps ha visto una serie di innovazioni che includono l’adozione di sistemi multimediali per migliorare l’esperienza del visitatore, la realizzazione di nuove sale espositive dedicate specificamente alla tecnologia e all’interattività, e l’organizzazione di eventi culturali che sfruttano gli spazi unici del palazzo per creare incontri tra l’arte antica e la cultura moderna.

Questi sforzi hanno trasformato il Palazzo in uno dei musei più visitati e apprezzati di Roma, consolidando la sua fama come custode di tesori storici e come ponte tra il passato artistico e il presente culturale della città.

Cosa vedere

Il Palazzo Altemps non è solo un museo, ma un vero e proprio viaggio attraverso la storia dell’arte antica, ospitando sculture di inestimabile valore e collezioni che rispecchiano diverse epoche e culture. Ecco una guida dettagliata alle aree espositive e alle opere maggiori che il visitatore non può mancare.

Esposizione Museale

Il Palazzo Altemps offre un’esposizione museale articolata che si sviluppa attraverso varie sale e aree tematiche, ciascuna dedicata a specifici contesti storici e culturali delle opere esposte. Le collezioni sono ben curate e offrono una visione completa delle diverse eredità culturali rappresentate.

Le Sale

Il museo è diviso in diverse sale, ognuna caratterizzata da un tema specifico che ne guida l’allestimento e la selezione delle opere:

• Sala di Apollo: Dedicata principalmente alle opere greche e romane, questa sala ospita sculture celebri come l’Apollo Citaredo, che rappresenta il dio nella sua forma di musico e poeta.
• Sala delle Sculture Egizie: Questa sala espone collezioni provenienti dall’Egitto, con pezzi che risalgono al periodo dei faraoni e che illustrano l’influenza egizia nell’arte romana.
• Sala Ludovisi: Contiene opere della collezione Boncompagni Ludovisi, tra cui spicca il celebre Sarcofago di Portonaccio, finemente scolpito con scene di battaglia.
• Sala dei Filosofi: Questa sala è dedicata ai busti e alle statue di filosofi e scrittori antichi, offrendo un panorama sulla pensata e la cultura del mondo greco e romano.

Aree Espositive

Le aree espositive del Palazzo Altemps sono state progettate per creare un dialogo continuo tra le opere e lo spazio architettonico che le ospita, valorizzando sia le sculture che gli ambienti. Ogni area è accessibile e ben illuminata, garantendo la migliore visibilità delle opere esposte:

• Cortile: Il cortile interno del palazzo, con il suo giardino armonioso, ospita sculture all’aperto e funge da spazio di introduzione alle tematiche del museo.
• Loggia: La loggia offre una vista impareggiabile sul cortile e sui giardini del palazzo, arricchita da sculture che tematizzano la natura e il divino.
• Galleria Superiore: Questa area espositiva si concentra su opere specifiche che richiedono un contesto tranquillo e raccolto per essere apprezzate appieno.

Opere Maggiori

Palazzo Altemps è celebre per alcune opere che sono considerate pietre miliari della storia dell’arte. Queste sculture non solo dimostrano l’eccellenza artistica degli scultori dell’antichità, ma sono anche testimonianze cruciali dei periodi storici che rappresentano.

• Sarcofago di Portonaccio: Famoso per le sue complesse raffigurazioni di battaglie, questo sarcofago è un esempio eccellente di arte funeraria romana con influenze etrusche.
• Statua di Apollo Citaredo: Questa statua non solo rappresenta Apollo in forma di dio della musica e della poesia, ma è anche un esempio notevole della scultura classica, mostrando dettagli raffinati e una composizione equilibrata.
• Trono Ludovisi: Un’opera enigmatica che si pensa possa essere parte di un altare antico, il Trono Ludovisi è scolpito con scene che potrebbero rappresentare rituali di fertilità o altri miti antichi.
• Busto di Commodus come Ercole: Questo busto è unico nel suo genere, raffigurante l’imperatore romano Commodus vestito come Ercole, simbolo della sua pretesa divinità e potere.

Visitare Palazzo Altemps non offre solo uno sguardo al passato, ma un’esperienza immersiva in cui l’arte e la storia rivivono attraverso le eccezionali opere conservate ed esposte con cura e rispetto per il loro significato culturale.

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Storia del Museo Nazionale Romano

La storia del Museo Nazionale Romano è un affascinante viaggio attraverso il tempo, dalla sua fondazione nel 1889 fino ai giorni nostri, riflettendo le trasformazioni culturali e storiche di Roma.

Fondazione e Origini (1889)

Il Museo Nazionale Romano fu inaugurato nel 1889 con l’intento di creare un polo culturale che conservasse e mettesse in mostra le ricchezze archeologiche romane fino ad allora sparse in vari luoghi della città. Originariamente, le collezioni erano ospitate in Palazzo Massimo, un edificio storico che ancora oggi rappresenta una delle quattro sedi del museo. Questa fase segnò l’inizio della sistematizzazione degli studi archeologici a Roma, con l’obiettivo di promuovere una migliore comprensione del passato romano tra il pubblico.

Il Ventesimo Secolo

Durante il ventesimo secolo, il museo si espanse significativamente con l’aggiunta di nuove sedi e collezioni. Negli anni ’30, sotto il regime fascista, furono effettuate importanti scoperte archeologiche che arricchirono il patrimonio del Museo Nazionale Romano, inclusi i famosi affreschi di Livia e gli straordinari mosaici di Villa Adriana. Il museo divenne un simbolo della continuità culturale italiana, collegando l’antichità romana con la modernità.

Dopo la Seconda Guerra Mondiale

Il dopoguerra fu un periodo di rifioritura per il museo, che riaprì al pubblico nel 1950 con nuove politiche di restauro e conservazione. La gestione delle collezioni divenne più scientifica, con una maggiore attenzione alla provenienza e alla storia degli oggetti. Anche le mostre temporanee assunsero un ruolo cruciale nella diffusione della conoscenza archeologica, attirando visitatori da tutto il mondo.

Il Museo Oggi

Oggi il Museo Nazionale Romano si presenta come un complesso di quattro sedi, ognuna delle quali offre una prospettiva diversa sulla storia romana. Oltre a Palazzo Massimo, le sedi includono le Terme di Diocleziano, Palazzo Altemps e la Crypta Balbi. Con una politica di mostre internazionali e collaborazioni culturali, il museo continua a essere un punto di riferimento essenziale per gli studiosi e gli appassionati di archeologia e storia antica.

Cosa vedere

Il Museo Nazionale Romano, articolato in quattro prestigiose sedi, offre un’immersione completa nell’arte e nella storia antica di Roma. Ogni sede esplora un aspetto specifico della civiltà romana attraverso collezioni uniche e magnificamente curate. Di seguito, una panoramica dettagliata delle sedi e delle principali attrazioni che esse conservano.

Sedi

Le quattro sedi del Museo Nazionale Romano sono Palazzo Massimo, le Terme di Diocleziano, Palazzo Altemps e la Crypta Balbi. Ognuna di queste sedi custodisce tesori inestimabili che offrono ai visitatori una prospettiva unica sulla ricca storia culturale di Roma.

Palazzo Massimo alle Terme

Palazzo Massimo è il cuore della collezione numismatica del Museo Nazionale Romano e ospita una delle più importanti raccolte di arte antica. Qui si possono ammirare:

• Sculture Romane: Vaste collezioni di sculture che decoravano gli spazi pubblici e privati della Roma antica, tra cui spicca la statua di Augusto Pontefice Massimo.
• Mosaici e Affreschi: Inclusi i celebri mosaici provenienti dalle ville romane come quello di via Cassia rappresentante gli uccelli.
• Ritrattistica: Busti e statue che ritraggono personaggi storici, dimostrando la maestria degli scultori romani nell’arte del ritratto.
• Collezione Numismatica: Una delle più complete al mondo, illustra la storia economica di Roma attraverso monete e medaglioni, dall’epoca repubblicana fino alla caduta dell’impero.

Terme di Diocleziano

Le Terme di Diocleziano offrono una visione sulla grandezza delle infrastrutture pubbliche romane e sulla vita quotidiana dei suoi cittadini. Le principali attrazioni includono:

• Epigrafi: Una vasta collezione che fornisce insight sulla lingua, le leggi e la società romana.
• Sala Ottagonale: Resti della biblioteca delle terme e spazi espositivi che ospitano mostre temporanee e permanenti.
• Giardini e Resti Architettonici: Passeggiate tra i resti delle terme dove si può ammirare l’ingegneria romana e rilassarsi nei giardini storici.

Palazzo Altemps

Palazzo Altemps è celebre per le sue collezioni di sculture antiche, che includono capolavori di arte greca e romana, e per gli affreschi rinascimentali che decorano gli interni. Punti di interesse principali:

• Sculture Greche e Romane: Includono il celebre Galata Morente e l’Ares Ludovisi, esempi eccelsi della scultura classica.
• Collezione Boncompagni Ludovisi: Ospita sculture rinascimentali e opere d’arte recuperate da antiche collezioni nobiliari.
• Programmi Educativi e Culturali: Palazzo Altemps non è solo un museo, ma un vivace centro culturale che offre workshop, conferenze e eventi speciali.

Crypta Balbi

La Crypta Balbi dimostra l’evoluzione urbana di Roma dalla fine dell’Impero fino al Medioevo. La sede è particolarmente focalizzata su:

• Archeologia Urbana: Resti e artefatti che raccontano la trasformazione di Roma attraverso varie epoche storiche.
• Exhibit Interattivi: Che permettono ai visitatori di esplorare la storia della Crypta e del suo quartiere attraverso tecnologie immersive e ricostruzioni 3D.
• Collezioni Medioevali e Moderni: Artefatti che coprono la lunga durata di Roma post-classica, includendo ceramica, tessuti e oggetti d’uso quotidiano.

Visitate il Museo Nazionale Romano per un viaggio attraverso la storia, l’arte, e la cultura che hanno plasmato la città eterna. Ogni sede offre un’esperienza unica e una profonda comprensione del passato di Roma.

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Storia dei Musei Capitolini

La Fondazione Rinascimentale (XV – XVI secolo)

La storia dei Musei Capitolini inizia nel 1471 con la donazione di Papa Sisto IV, che includeva pezzi pregiati come la Lupa Capitolina. Questi bronzi furono inizialmente esposti al pubblico sul Campidoglio, segnando la nascita del museo pubblico. Nel 1536, sotto la guida di Papa Paolo III, Michelangelo progettò la piazza del Campidoglio e riorganizzò gli spazi per accogliere la crescente collezione, formalizzando così la creazione dei Musei Capitolini.

Il Barocco e l’espansione (XVII – XVIII secolo)

Durante il Seicento, i musei si arricchirono notevolmente grazie alle campagne di scavi e acquisizioni. Opere maestose come la statua di Marco Aurelio (originariamente all’aperto e poi spostata all’interno per la conservazione) e la collezione di busti imperatori arricchirono la collezione, trasformando i musei in un’istituzione di importanza internazionale.

L’Età Moderna e Contemporanea (XIX – XXI secolo)

Nei secoli XIX e XX, i Musei Capitolini continuarono a espandersi e a rinnovarsi con l’aggiunta di nuove opere e nuove strutture. Durante il periodo fascista, furono realizzati importanti lavori di ristrutturazione e modernizzazione. Oggi, i musei si presentano come un complesso museale moderno, con spazi espositivi all’avanguardia e collezioni che attraggono visitatori da tutto il mondo.

Attualmente, i Musei Capitolini non solo conservano testimonianze storiche e artistiche di inestimabile valore, ma sono anche un centro di studi e ricerche avanzate, continuando a contribuire alla cultura e alla scienza dell’arte mondiale.

Cosa vedere ai Musei Capitolini

Esposizione museale

I Musei Capitolini offrono una vasta gamma di esposizioni permanenti che raccontano la storia di Roma attraverso l’arte e l’archeologia. Le collezioni sono disposte principalmente in due palazzi storici: il Palazzo dei Conservatori e il Palazzo Nuovo, ognuno dei quali ospita tesori inestimabili organizzati tematicamente in diverse aree espositive.

Aree espositive

Palazzo dei Conservatori è suddiviso in sale che esplorano diverse epoche e temi:

• Sala degli Horti Lamiani: Espone reperti rinvenuti negli Horti Lamiani, includendo decorazioni architettoniche e sculture di età imperiale.
• Sala dei Fasti Capitolini: Dedicata agli importanti calendari romani scolpiti in pietra che dettagliano eventi storici e religiosi dell’antica Roma.
• Sala della Lupa: Ospita la famosa statua della Lupa Capitolina, simbolo di Roma, insieme a sculture di Romolo e Remo e altri importanti pezzi di epoca romana.

Palazzo Nuovo è celebre per le sue sculture classiche, magnificamente restaurate e presentate in un contesto che evoca gli ambienti originali:

• La Galleria dei Candelabri: Disposta lungo un corridoio, espone sculture, candelabri di epoca romana e preziosi sarcofagi.
• Sala delle Colombe: Famosa per il mosaico omonimo, questa sala racchiude mosaici e sculture che erano decorazioni domestiche di lusso nell’antica Roma.
• Stanza del Gladiatore: Presenta sculture di figure maschili, come il celebre Gladiatore Moribondo, e busti di filosofi e poeti che influenzarono la cultura romana.

Opere maggiori

Le collezioni dei Musei Capitolini comprendono alcune delle più note opere d’arte antica, che attirano studiosi e appassionati da tutto il mondo. Ecco le opere imperdibili durante una visita al museo:

• Statua equestre di Marco Aurelio: Un’imponente scultura in bronzo, rappresenta uno dei pochi grandi esempi di ritratti equestri dell’antichità che si siano conservati fino ai nostri giorni. Originariamente situata in Piazza del Campidoglio, è ora al centro di una delle sale del Palazzo dei Conservatori.
• Lupa Capitolina: Iconica scultura che rappresenta la lupa mentre allatta i gemelli Romolo e Remo, fondatori mitologici di Roma, simboleggia la forza e la resilienza della città.
• Colosso di Costantino: Frammenti della gigantesca statua dell’imperatore Costantino sono esposti in una configurazione che suggerisce l’originale grandezza e imponenza della figura, che dominava l’antica Basilica di Massenzio in Roma.
• Capitelli dei Candelabri: Sculture dettagliate che decoravano gli antichi candelabri romani, ora parte della collezione permanente nella Galleria dei Candelabri, dimostrano la raffinatezza artistica e la maestria tecnica dei romani.

Queste opere, insieme a molte altre sculture, dipinti, mosaici e artefatti minori, compongono un percorso espositivo che non solo decora e abbellisce i palazzi, ma serve anche a educare e ispirare i visitatori riguardo la ricca storia e cultura di Roma antica. Ogni sala dei Musei Capitolini è curata per mostrare la continua evoluzione della città attraverso i secoli, rendendo ogni visita un’esperienza unica e formativa.

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Storia della Galleria Borghese

La Galleria Borghese, situata all’interno della Villa Borghese Pinciana, è uno dei luoghi più iconici del patrimonio artistico e culturale di Roma. La sua storia si sviluppa attraverso diverse fasi, a partire dalla fondazione della collezione privata del cardinale Scipione Borghese, passando per il periodo barocco in cui la villa divenne un palcoscenico per l’arte e l’architettura del Seicento, fino alla trasformazione in museo statale e agli interventi di restauro e aggiornamento degli ultimi decenni.

Fondazione e periodo barocco

Le origini della collezione

All’inizio del XVII secolo, il cardinale Scipione Borghese – nipote di Papa Paolo V – iniziò a radunare una collezione di opere d’arte che ben presto si rivelò tra le più prestigiose al mondo. Il gusto raffinato e la visione innovativa del Borghese permisero di acquisire capolavori del Rinascimento e del Barocco, da Caravaggio e Tiziano a Bernini, dando origine a una raccolta che, già sin da subito, simboleggiava l’eccellenza artistica e il potere mecenatico della famiglia.

La realizzazione della villa

Parallelamente alla costituzione della collezione, nel 1607 la famiglia Borghese decise di realizzare una villa nel parco del Pincio, area strategica a nord di Roma. Il progetto, affidato inizialmente a Flaminio Ponzio e successivamente completato da Giovanni Vasanzio, fu concepito per accogliere le opere d’arte in un contesto di eleganza e armonia architettonica. I riferimenti stilistici, ispirati alle ville italiane del Rinascimento (come Villa Medici e Villa Farnesina), si combinavano con un ampio portico e una terrazza riccamente decorata, creando un ambiente in cui arte e natura dialogano in modo indimenticabile.

L’epoca barocca

Con l’affermazione del Barocco, la villa e la sua collezione divennero simboli del dinamismo artistico romano. Il gusto barocco, caratterizzato da un’esuberanza espressiva e un’attenzione maniacale ai dettagli decorativi, trovò piena espressione sia nelle opere acquisite – come le sculture monumentali di Bernini – sia negli interventi architettonici e ornamentali che arricchirono l’edificio. La Galleria Borghese, in questo contesto, non era soltanto un deposito di opere, ma un ambiente vivo, in cui la disposizione degli spazi, le finiture e la luce contribuivano a creare una visione complessiva della magnificenza artistica.

La trasformazione in museo

L’acquisizione statale e l’apertura al pubblico

Nel 1891, tutte le opere d’arte conservate nelle dodici sale della quadreria di Palazzo Borghese in Via Ripetta vennero trasferite al piano nobile della Villa Borghese Pinciana. Questa operazione preparò il terreno per la trasformazione della villa in museo. Nel 1902, a seguito dell’acquisizione, da parte dello Stato italiano, delle raccolte facenti parte del Fidecommesso Borghese, la Galleria Borghese divenne ufficialmente un museo pubblico.
Il trasferimento della collezione avvenne con trattative lunghe e complesse, tanto da essere definito «l’affare del secolo», con la villa e il parco acquistati per tre milioni e seicentomila lire, cifra che, seppur modesta all’epoca, permise di conservare integralmente l’inestimabile patrimonio artistico.

I primi direttori e l’organizzazione museale

Il primo direttore della Galleria fu Giovanni Piancastelli (1845–1926), seguito nel 1906 da Giulio Cantalamessa, già responsabile delle gallerie dell’Accademia di Venezia. Queste scelte organizzative contribuirono a consolidare la reputazione della Galleria come istituto di eccellenza, aperto al pubblico e dedicato alla conservazione e alla valorizzazione dell’arte.

Restauri e aggiornamenti

Nel corso del XX secolo la Galleria Borghese ha subito numerosi interventi di restauro per preservare sia l’edificio che le opere d’arte. Nel 1983 il museo venne chiuso per un restauro completo durato quattordici anni, che permise di ripristinare l’aspetto originale degli intonaci, delle statue e della storica scalinata a due rampe. La riapertura avvenne nel giugno del 1997, restituendo alla Galleria il prestigio e la funzionalità di un tempo.

La Galleria oggi

Nel 2013 la Galleria Borghese è risultata essere il nono sito statale italiano più visitato, con quasi 500.000 visitatori, testimoniando il continuo interesse internazionale per il patrimonio borghese. Nel 2015, il ministro dei Beni e delle Attività Culturali e del Turismo, Dario Franceschini, nominò Anna Coliva direttrice della Galleria, mentre dal novembre 2020 la direzione è affidata a Francesca Cappelletti. Questi aggiornamenti istituzionali hanno ulteriormente rafforzato la gestione e la promozione del museo, garantendo una costante valorizzazione della collezione e dell’edificio.

Il museo

La Galleria Borghese è un museo che espone una straordinaria collezione di arte rinascimentale, barocca e neoclassica, ospitata in un ambiente riccamente decorato. Le opere, accuratamente selezionate e raggruppate tematicamente, sono distribuite in sale che, ciascuna a suo modo, valorizzano la bellezza e la storicità dei capolavori esposti. Di seguito, viene presentato un percorso espositivo che non solo mette in evidenza l’eccellenza artistica delle opere, ma racconta anche la storia dell’arte attraverso i secoli.

Esposizione Museale

Le sale della Galleria Borghese sono state allestite per creare un percorso narrativo: ogni sala possiede una propria identità, definita dal tema trattato e dalle opere in essa ospitate. Di seguito, una panoramica dettagliata delle venti sale del museo.

Portico e Sala d’Ingresso (Salone di Mariano Rossi)

Questa area introduttiva accoglie i visitatori immergendoli nelle tematiche classiche. L’ambiente è arricchito da busti di imperatori romani, da un imponente mosaico che ritrae le lotte tra gladiatori e, a completare l’insieme, da una statua colossale di Bacco che domina lo spazio.

Opere rappresentative: busti classici, mosaico delle lotte e statua colossale di Bacco.

Sala I (della Paolina)

Precedentemente nota come “Sala del Vaso”, questa sala è caratterizzata da decorazioni con rilievi del XVIII e XIX secolo. Il suo elemento centrale è la scultura neoclassica di Antonio Canova, “Paolina Borghese come Venere Vincitrice”, che si integra armoniosamente con i dipinti della volta raffiguranti le “Storie di Venere e di Enea”.

Opera maggiore:

• Paolina Borghese come Venere Vincitrice (Canova)

Sala II (di David)

Questa sala, nota anche come “Sala del Sole”, è caratterizzata dalla presenza centrale della statua del David di Bernini. Il soffitto è impreziosito da un affresco che raffigura “La caduta di Fetonte”, un’opera di Francesco Caccianiga ispirata alle “Metamorfosi” di Ovidio.

Opera rappresentativa:

• Statua del David (Bernini)
• Affresco “La caduta di Fetonte” (Caccianiga)

Sala III (di Apollo e Dafne)

In questa sala si trova la celebre scultura “Apollo e Dafne” di Bernini. Il soffitto, decorato con un tema in sintonia con la scultura, è arricchito da altre opere ellenistiche e romane che completano il dialogo tra mito e arte.

Opera maggiore:

• Apollo e Dafne (Bernini)

Sala IV (degli Imperatori)

Decorata con lussuosi stucchi, marmi e pitture, questa sala è dominata dalla raffigurazione dei busti degli imperatori romani. Tra le opere più significative spicca il “Ratto di Proserpina” di Bernini, accompagnato dalla copia dell’“Artemis Borghese”.

Opera maggiore:

• Ratto di Proserpina (Bernini)

Sala V (dell’Ermafrodito)

Questa sala ospita il celebre “Ermafrodito dormiente”, una scultura che esemplifica la bellezza delle forme miste. A completare l’ambientazione, un mosaico raffigura una scena di pesca, simbolo della vita quotidiana nell’antica Roma.

Opere rappresentative:

• Ermafrodito dormiente
• Mosaico a tema pesca

Sala VI (di Enea e Anchise)

La sala è caratterizzata dalla scultura “Enea, Anchise e Ascanio” di Bernini, che approfondisce il tema della pietas e della famiglia attraverso una rappresentazione intensa e drammatica, tipica dell’arte scultorea barocca.

Opera rappresentativa:

• “Enea, Anchise e Ascanio” (Bernini)

Sala VII (Egizia)

Questa sala crea un suggestivo collegamento con l’antico Egitto grazie a un mosaico intricato risalente al II secolo, affiancato da sculture quali il “Satiro sul delfino”. L’ambientazione offre una visione dell’arte romana in stretto dialogo con quella egizia.

Opere rappresentative:

• Mosaico egizio (II secolo)
• Satiro sul delfino

Sala VIII (del Sileno)

Dedicata alle opere di Caravaggio, questa sala mette in risalto capolavori intensi e carichi di narrazione. Tra essi si distinguono “David con la testa di Golia” e “Fanciullo con canestro di frutta”, che testimoniano la rivoluzionaria tecnica del chiaroscuro dell’artista.

Opera maggiore:

• David con la testa di Golia (Caravaggio)

Sala IX (di Didone)

Focalizzata sul Rinascimento italiano, questa sala raccoglie opere di grandi maestri quali Botticelli, Pinturicchio e Raffaello. Essa offre una panoramica sullo sviluppo artistico in Umbria e Toscana durante il Rinascimento, illustrando l’evoluzione dei temi e delle tecniche pittoriche.

Opere rappresentative:

• Selezione di opere rinascimentali (Botticelli, Pinturicchio, Raffaello)

Sala X (di Ercole)

In questa sala vengono celebrate le imprese dell’eroe Ercole. Le opere esposte comprendono dipinti manieristi di artisti come Parmigianino e Correggio e sculture allegoriche, tra cui l’“Allegoria del Sonno” di Alessandro Algardi, che interpretano il mito con intensità drammatica.

Opere rappresentative:

• Dipinti manieristi a tema ercoliano
• “Allegoria del Sonno” (Algardi)

Sala XI (della Pittura Ferrarese)

Questa sala mette in luce l’influenza della scuola ferrarese attraverso opere di artisti come Mazzolino e Garofalo. Le opere riflettono le dinamiche culturali e artistiche di Ferrara, in particolare dopo l’annessione della città allo Stato Pontificio.

Opere rappresentative:

• Opere della scuola ferrarese (Mazzolino, Garofalo)

Sala XII (delle Baccanti)

Dedicata alle opere del primo ‘500 dell’area lombardo-veneta, questa sala include pezzi di artisti come Lorenzo Lotto e Sodoma. Le opere qui esposte esplorano temi di misticismo e religiosità, tipici della pittura di quel periodo.

Opere rappresentative:

• Selezione di opere del primo ‘500 (Lotto, Sodoma)

Sala XIII (della Fama)

Piccola ma di grande impatto, questa sala è decorata con l’“Allegoria della Fama” e ospita opere di maestri bolognesi. Essa sottolinea l’importanza del successo e della notorietà nell’arte del Quattrocento.

Opera rappresentativa:

• “Allegoria della Fama”

Sala XIV (Loggia di Lanfranco)

Originariamente concepita come loggia aperta, oggi questa sala ospita l’affresco “Consiglio degli Dei” di Lanfranco, affiancato da sculture di Bernini. L’insieme celebra la grandezza mitologica e artistica che attraversa i secoli.

Opere rappresentative:

• “Consiglio degli Dei” (Lanfranco)
• Sculture di Bernini

Sala XV (dell’Aurora)

Questa sala espone opere che illustrano l’evoluzione del manierismo in Italia. Tra le opere di rilievo si trova “L’ultima cena” di Bassano, accompagnata da altri dipinti di Dosso Dossi che, insieme, evocano il sorgere di una nuova luce artistica.

Opere rappresentative:

• “L’ultima cena” (Bassano)
• Opere di Dosso Dossi

Sala XVI (della Flora)

Dedicata alla dea Flora, questa sala esplora il tema della natura e della sua bellezza. Attraverso opere di artisti come Marcello Venusti e Pellegrino Tibaldi, il Rinascimento viene reinterpretato in chiave mitologica, celebrando la fertilità e la ricchezza naturale.

Opere rappresentative:

• Opere a tema Flora (Venusti, Tibaldi)

Sala XVII (del Conte di Angers)

Questa sala raccoglie una selezione di opere del Seicento, con una marcata influenza della pittura fiamminga e olandese. Essa riflette i vivaci scambi culturali tra l’Italia e il Nord Europa in quel periodo.

Opere rappresentative:

• Collezione seicentesca di pittura fiamminga e olandese

Sala XVIII (di Giove e Antiope)

La sala espone capolavori del barocco fiammingo, tra cui spicca “Susanna e i vecchioni” di Rubens. Questa opera dialoga con temi di innocenza e corruzione, mettendo in luce il contrasto tra purezza e degradazione.

Opera rappresentativa:

• “Susanna e i vecchioni” (Rubens)

Sala XIX (di Elena e Paride)

Decorata con narrazioni tratte dall’epopea troiana, questa sala ospita opere di artisti come Domenichino e Barocci che affrontano i temi dell’amore e della tragedia nella mitologia greca.

Opere rappresentative:

• Selezione di opere a tema troiano (Domenichino, Barocci)

Sala XX (di Amore e Psiche)

Questa sala omaggia gli amori mitologici di Eros e Psiche, rappresentati attraverso le tele di maestri veneti quali Giorgione, Tiziano, Veronese e Bellini. Il percorso culmina con il celebre “Amor Sacro e Amor Profano” di Tiziano, simbolo dell’eterna dualità dell’amore.

Opera maggiore:

• Amor Sacro e Amor Profano (Tiziano)

Opere maggiori

Oltre alle ricche collezioni distribuite nelle varie sale, la Galleria Borghese ospita alcune delle opere più emblematiche dell’arte occidentale. Questi capolavori non solo definiscono il nucleo della collezione del museo, ma sono anche fondamentali per comprendere l’evoluzione artistica dall’arte rinascimentale al neoclassicismo.

Apollo e Dafne (Gian Lorenzo Bernini, 1622 and 1625) – Sala III

Opera monumentale in marmo che immortala il mito di Apollo e Dafne, catturando il preciso istante in cui la ninfa si trasforma in un albero di alloro per sfuggire alle avances del dio. La scultura è rinomata per la sua capacità di rendere in pietra il movimento e la trasformazione, rappresentando un capolavoro del barocco e una delle massime espressioni dell’arte scultorea di Bernini.

Davide con la testa di Golia (Caravaggio, 1609–1610) – Sala VIII

Celebre dipinto ad olio che raffigura il giovane eroe biblico Davide nel momento della vittoria su Golia. Caravaggio impiega il chiaroscuro in maniera rivoluzionaria, creando un contrasto drammatico tra luce e ombra che enfatizza la tensione e l’eroismo della scena, rendendo l’opera un simbolo della sua innovazione artistica.

Paolina Borghese come Venere vincitrice (Antonio Canova, ca. 1800) – Sala I

Scultura in marmo del neoclassicismo in cui Canova trasforma Paolina Borghese nella mitica Venere, dea dell’amore. L’opera esalta la bellezza ideale attraverso forme armoniose e proporzioni perfette, testimonianza della raffinata sensibilità estetica e tecnica scultorea che ha reso Canova uno dei più grandi maestri dell’arte.

Deposizione nel sepolcro (Peter Paul Rubens, 1601) – Sala XVIII

Dipinto ad olio che rappresenta il momento solenne della deposizione di Cristo dal crocifisso. Rubens utilizza pennellate vigorose e una tavolozza ricca per infondere intensità emotiva e drammaticità alla scena, facendo di questo capolavoro un emblema della maestria barocca e della sua capacità di trasformare il soggetto sacro in un’esperienza visiva coinvolgente.

Amor sacro e Amor profano (Tiziano, 1513) – Sala XX

Uno dei capolavori di Tiziano, questo dipinto ad olio su tela esplora il dualismo tra l’amore spirituale e quello terreno. La composizione, ricca di simbolismi e colori vibranti, unisce in un’unica scena la raffinatezza della pittura veneziana e una profonda riflessione sulla natura contraddittoria dei sentimenti umani.

San Domenico (Tiziano, ca. 1565) – Sala XX

Dipinto ad olio in cui Tiziano ritrae San Domenico con una presenza imponente e carismatica. La luce calda e i dettagli ricchi conferiscono alla scena una solenne spiritualità, mentre il ritratto trasmette la grandezza interiore e la determinazione del santo, rendendo l’opera un’icona della fede e della maestria rinascimentale.

Madonna col Bambino (Giovanni Bellini, ca. 1510) – Sala IX

Classico dipinto ad olio su tavola che rappresenta la Vergine Maria con il Bambino, esemplificando l’arte rinascimentale veneziana. Bellini crea un’atmosfera di dolcezza e serenità attraverso un uso armonioso dei colori e una cura minuziosa dei dettagli, rendendo immediatamente riconoscibile la sacralità e l’eleganza della composizione.

Ratto di Proserpina (Gian Lorenzo Bernini, ca. 1621) – Sala IV

Capolavoro scultoreo in marmo che raffigura il violento rapimento della giovane dea Proserpina da parte di Plutone. Bernini trasforma il materiale pietrificato in una narrazione in movimento, dove l’intensità dell’azione e la delicatezza delle forme creano un dramma visivo di straordinaria potenza emotiva.

David (Gian Lorenzo Bernini, ca. 1623) – Sala II

Statua in marmo che ritrae il giovane eroe biblico Davide nel momento in cui, armato della sua determinazione, affronta la sfida del gigante Golia. La scultura è caratterizzata da una tensione muscolare e dinamismo che esaltano il coraggio e la vitalità del soggetto, espressione tipica della maestria barocca di Bernini.

Enea, Anchise e Ascanio (Gian Lorenzo Bernini, ca. 1617) – Sala VI

Scultura in marmo che celebra il legame familiare e il valore della pietas, raffigurando Enea insieme a suo padre Anchise e al giovane Ascanio. La composizione fluida e i volti espressivi trasmettono un senso di eroismo e dovere filiale, incarnando i valori classici reinterpretati con intensità barocca.

Deposizione Baglioni (Raffaello, ca. 1507) – Sala IX

Dipinto ad olio che narra la drammatica deposizione di Baglioni, caratterizzato da una composizione equilibrata e da un uso sapiente della luce. L’opera incarna il pathos e la delicatezza tipica del Rinascimento, esemplificando l’abilità di Raffaello nel trasmettere emozioni complesse attraverso la pittura.

Dama col liocorno (Raffaello, ca. 1506) – Sala IX

Dipinto ad olio in cui una nobile dama è raffigurata in compagnia di un liocorno, simbolo di purezza e mistero. La composizione elegante e l’uso raffinato dei colori conferiscono all’opera un’aura di incanto, rendendo immediatamente riconoscibili il significato simbolico e l’alta qualità artistica tipica del lavoro di Raffaello.

Ritratto virile (Raffaello, ca. 1503–1504) – Sala IX

Questo dipinto ad olio rappresenta un ritratto di giovane uomo, esaltando la forza, la nobiltà e la grazia della figura umana. Raffaello riesce a fondere una composizione equilibrata con una resa delicata della luce, dando vita a un’immagine che incarna l’ideale rinascimentale della bellezza maschile.

Predica di san Giovanni Battista (Paolo Veronese, ca. 1562) – Sala XV

Ampio dipinto ad olio su tela che raffigura il potente discorso di San Giovanni Battista. La scena, caratterizzata da una molteplicità di figure e colori ricchi, trasmette l’intensità del messaggio religioso e l’autorità del santo, espressione della capacità di Veronese di trasformare temi sacri in composizioni visivamente straordinarie.

Predica di sant’Antonio ai pesci (Paolo Veronese, 1580–1585) – Sala XV

Dipinto ad olio su tela che offre una visione insolita del santo Sant’Antonio, rappresentato mentre predica ai pesci. La composizione dinamica e la tavolozza luminosa rendono l’opera un esempio distintivo dell’approccio innovativo di Veronese, capace di fondere elementi surreali e sacri in una narrazione visiva affascinante.

Susanna e i vecchioni (Peter Paul Rubens, 1607) – Sala XVIII

Questo dipinto ad olio raffigura la storia biblica di Susanna, evidenziando il contrasto tra l’innocenza della protagonista e l’intrusione dei vecchioni. Rubens utilizza colori vibranti e una resa dinamica delle figure per trasmettere una forte carica emotiva, rendendo la scena un esempio emblematico del dramma e della sensualità barocca.

Capra Amaltea (Gian Lorenzo Bernini, ca. 1620) – Sala III

Scultura in marmo che rappresenta la Capra Amaltea, simbolo del nutrimento divino nella mitologia classica. Bernini dona all’animale un realismo sorprendente e una vivacità espressiva, trasformando il materiale in un’opera che incarna la maestria tecnica e la capacità di infondere vita nel marmo.

Busti di Scipione Borghese (Gian Lorenzo Bernini, ca. 1625) – Sala IV

Serie di busti in marmo che raffigurano il mecenate Scipione Borghese. Realizzati con grande realismo, questi ritratti esaltano i tratti distintivi e la personalità imponente del protagonista, sottolineando il prestigio della figura borghese e la raffinatezza della scultura barocca.

La Verità (Gian Lorenzo Bernini, ca. 1620) – Sala XIV

Scultura in marmo che personifica l’ideale della Verità, simbolo della purezza morale e intellettuale. Con una composizione equilibrata e finemente cesellata, l’opera trasmette autenticità e onestà, rappresentando un riferimento simbolico dei valori etici attraverso l’arte.

Busto di papa Paolo V (Gian Lorenzo Bernini, ca. 1620) – Sala IV

Busto in marmo che raffigura Papa Paolo V con grande sobrietà e realismo. I dettagli accurati nella resa delle fattezze e degli abiti sottolineano la maestosità del pontefice, evidenziando la perizia tecnica di Bernini nel catturare l’essenza del soggetto e la sua importanza storica.

Fanciullo con canestro di frutta (Caravaggio, 1593–1594) – Sala VIII

Dipinto ad olio su tela che ritrae un giovane intento a portare un canestro di frutta. Caravaggio, con il suo tipico uso drammatico del chiaroscuro, conferisce al soggetto una presenza intensa e realistica, trasformando una scena quotidiana in un momento di grande carica emotiva.

Bacchino malato (Caravaggio, 1593–1594) – Sala VIII

In questo dipinto ad olio, Caravaggio ritrae un giovane Bacchus in evidente stato di malattia. La cruda rappresentazione della fragilità umana, enfatizzata dal forte contrasto tra luci ed ombre, rende l’opera un esempio della capacità dell’artista di trattare temi umani con realismo e intensità.

Madonna dei Palafrenieri (Caravaggio, 1605–1606) – Sala VIII

Dipinto ad olio su tela in cui la Vergine Maria viene rappresentata insieme ai palafrenieri, figure che sottolineano la sua funzione protettiva e sacra. La luce drammatica e il realismo tipico di Caravaggio conferiscono all’opera una profonda carica spirituale, rendendola immediatamente riconoscibile.

San Girolamo scrivente (Caravaggio, 1605–1606) – Sala VIII

Opera ad olio che raffigura San Girolamo immerso nella scrittura, simbolo della ricerca della conoscenza e della meditazione spirituale. La resa intensa dei dettagli e l’uso magistrale del chiaroscuro trasmettono la concentrazione e la solennità del santo in un momento di intimità riflessiva.

San Giovanni Battista (Caravaggio, 1609–1610) – Sala VIII

Dipinto ad olio su tela che ritrae San Giovanni Battista in un momento di predicazione appassionata. L’illuminazione forte e la resa realistica dei dettagli accentuano il carisma del profeta, rendendo la scena un esempio distintivo dell’approccio innovativo di Caravaggio alla rappresentazione sacra.

Leda col cigno, copia da Leonardo da Vinci (Cesare da Sesto, ca. 1515–1520) – Sala III

Dipinto ad olio realizzato come copia ispirata al celebre modello di Leonardo da Vinci. Leda è raffigurata insieme a un cigno, simbolo dell’intervento divino, in una composizione elegante che riflette la tradizione rinascimentale, sebbene il valore artistico derivi principalmente dalla reinterpretazione di un tema iconico.

Danae (Correggio, ca. 1531) – Sala III

Dipinto ad olio che ritrae Danae in un intimo momento mitologico. L’opera si distingue per la sua luce avvolgente e la resa sensuale della figura, espressione della capacità di Correggio di fondere mistero e bellezza in una scena che cattura l’attenzione dello spettatore.

Venere e Cupido che reca il favo di miele (Lucas Cranach il Vecchio, ca. 1531) – Sala IX

Dipinto ad olio su tavola in cui Venere è accompagnata da Cupido, intento a trasmettere un simbolismo legato alla dolcezza e alla sensualità. La composizione armoniosa e l’uso raffinato dei colori rendono l’opera immediatamente riconoscibile, unendo elementi mitologici a un’estetica tipica della tradizione tedesca del Rinascimento.

Melissa (Dosso Dossi, ca. 1522–1524) – Sala XV

Dipinto ad olio che rappresenta la figura mitologica di Melissa in una composizione ricca di colori e movimento. Dosso Dossi trasmette un senso di vitalità e leggerezza, interpretando con eleganza i miti classici attraverso uno stile che anticipa le tendenze manieriste.

Cantore appassionato (Giorgione, ca. 1508–1510) – Sala XX

Dipinto ad olio su tavola che ritrae un giovane cantore immerso nella musica. La luce soffusa e l’atmosfera poetica creano un’immagine delicata, simbolo dell’innovazione stilistica del primo Rinascimento veneziano e della capacità di Giorgione di evocare emozioni con sottigliezza.

Suonatore di flauto (Giorgione, ca. 1508–1510) – Sala XX

Opera ad olio che ritrae un intimo momento musicale, con un giovane suonatore di flauto immerso in un ambiente sognante e luminoso. La fusione armoniosa dei toni e la composizione equilibrata rendono la scena immediatamente riconoscibile, espressione della poetica visiva tipica di Giorgione.

Madonna col Bambino tra i santi Flaviano e Onofrio (Lorenzo Lotto, 1506) – Sala IX

Dipinto ad olio su tavola che raffigura la Vergine col Bambino, affiancata dai santi Flaviano e Onofrio. La composizione sacra e l’attenzione ai dettagli trasmettono una profonda spiritualità, evidenziando la sensibilità artistica di Lotto nel rappresentare temi religiosi con intimità e delicatezza.

Ritratto di gentiluomo (Lorenzo Lotto, ca. 1535) – Sala IX

Opera ad olio che ritrae un gentiluomo con una marcata attenzione alla personalità e al carattere del soggetto. La cura nei dettagli e la composizione sobria ne fanno un esempio significativo della ritrattistica rinascimentale, capace di trasmettere eleganza e introspezione.

Ritratto del Pianerlotto (Parmigianino, ca. 1531) – Sala IX

Dipinto ad olio in cui Parmigianino realizza un ritratto caratterizzato da linee allungate e delicate sfumature. L’opera, espressione tipica del manierismo, si distingue per l’eleganza stilistica e l’uso raffinato della luce, rendendola immediatamente riconoscibile nel panorama della pittura del suo tempo.

Crocifisso tra i santi Girolamo e Cristoforo (Pinturicchio, ca. 1475) – Sala IX

Dipinto ad olio che raffigura il Crocifisso in un contesto sacro, accompagnato dai santi Girolamo e Cristoforo. La composizione armoniosa e i dettagli minuziosi creano una scena di profonda spiritualità, tipica della tradizione umbra del Quattrocento e della maestria narrativa di Pinturicchio.

Tobiolo e l’angelo (Savoldo, ca. 1527) – Sala XX

Opera ad olio che ritrae Tobiolo accompagnato da un angelo in un momento di intensa spiritualità. La delicatezza della tavolozza e la composizione intima creano un’atmosfera meditativa, enfatizzando il legame tra il divino e il mortale in maniera raffinata.

Fuga di Enea da Troia (Federico Barocci, ca. 1580) – Sala VI

Dipinto ad olio che narra la drammatica fuga di Enea dalle rovine di Troia. Barocci cattura con intensità l’eroismo e la disperazione del protagonista attraverso una composizione dinamica e una tavolozza cromatica vibrante, offrendo una visione coinvolgente di un celebre episodio mitologico.

Giuseppe venduto dai fratelli (Bacchiacca, ca. 1520) – Sala IX

Dipinto ad olio che racconta il drammatico momento biblico in cui Giuseppe viene tradito e venduto dai suoi fratelli. L’opera enfatizza il dolore e la disperazione dei personaggi attraverso una composizione studiata, rendendo immediatamente riconoscibile il tema del tradimento familiare.

Arresto dei fratelli di Giuseppe (Bacchiacca, ca. 1520) – Sala IX

In questo dipinto ad olio, Bacchiacca raffigura l’istante in cui i fratelli di Giuseppe vengono fermati, sottolineando il momento della giustizia divina. La resa realistica dei volti e la tensione nei gesti dei personaggi trasmettono la drammaticità dell’episodio, rendendo l’opera un vivido esempio della narrativa rinascimentale.

Ricerca della coppa rubata (Bacchiacca, ca. 1520) – Sala IX

Opera ad olio che narra la disperata ricerca di una coppa rubata. La composizione mette in evidenza i dettagli delle espressioni e dei movimenti, evidenziando l’angoscia e la determinazione dei soggetti coinvolti, e guidando l’attenzione verso il fulcro della narrazione con un uso sapiente della luce.

Ritrovamento della coppa rubata nel sacco di Beniamino (Bacchiacca, ca. 1520) – Sala IX

Dipinto ad olio che raffigura il sorprendente momento in cui la coppa rubata viene ritrovata nel sacco di Beniamino. L’opera esalta il contrasto tra il senso di smarrimento e il sollievo del ritrovamento, grazie a una resa attenta dei volumi e della luce che accentua il climax narrativo.

Queste opere rappresentano solo una parte delle ricchezze contenute nella Galleria Borghese, che continua a essere un punto di riferimento essenziale per gli amanti dell’arte e della storia mondiale.

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Questo immenso patrimonio è stato reso possibile attraverso il progressivo arricchimento con capolavori dal Rinascimento fino al XX secolo. Il complesso museale del Vaticano, con 54 musei in totale e 70.000 opere, di cui solo 20.000 in mostra, si sviluppa su 1400 stanze, cappelle e gallerie, ed è custode di una straordinaria eredità di capolavori, bellezza e storia oltre che un luogo simbolo di dialogo tra le culture e religioni.

Storia

Preesistenza

Uno dei papi più colti della chiesa, Papa Niccolò V, nel primo anno del suo pontificato, il 1447, decise di far affrescare la propria cappella privata dal frate Giovanni da Fiesole, al secolo Guido di Pietro, detto Beato Angelico.

Il famoso pittore francescano dipinse un ciclo di affreschi sulla vita dei Santi Stefano e Lorenzo dando vita così alla realizzazione della Cappella Niccolina, il primo nucleo dei futuri Musei Vaticani.

Nel 1470, Papa Sisto IV iniziò a lavorare alla famosa Cappella Sistina eretta dall’architetto Giovanni dei Dolci, commissionandone le decorazioni ad importanti artisti del Rinascimento come Botticelli e Perugino che realizzarono gli affreschi delle pareti.

Papa Alessandro VI (Borgia), successore di Niccolò V, ne seguì l’esempio e per il proprio appartamento nel Palazzo Apostolico, affidò l’incarico della decorazione della sua cappella privata al pittore Bernardino di Betto, noto come Pinturicchio che nel 1494 completò un incantevole ciclo di affreschi delle varie sale.

Musei Vaticani: la nascita

Ma colui che è ritenuto il vero fondatore delle Collezioni Vaticane è Papa Giulio II Della Rovere che nel 1506, con significativi cambiamenti, portò in dote la sua ingente collezione privata di sculture classiche collocandole nel Cortile delle Statue, oggi Cortile Ottagono.

Aggiunse poi altre opere al palazzo acquistando le sculture antiche più famose del tempo per realizzare il Cortile del Belvedere di cui affidò il progetto a Donato Bramante.

L’evento più importante del Papa Giulio II nel 1508, fu la decisione di affrescare il soffitto della Cappella Sistina dando l’incarico a Michelangelo che lo realizzò dal 1508 al 1512 raffigurando fatti e personaggi dell’Antico Testamento.

Papa Paolo III completò il ciclo delle decorazioni commissionando sempre a Michelangelo l’affresco del Giudizio Universale sulla parete ovest dietro l’ altare, un lungo lavoro svolto nel periodo dal 1534 al 1541.

Il papa Sisto V fu l’ultimo che esegui importanti progetti di costruzione, dandone l’incarico all’architetto Domenico Fontana tra cui la nuova sede della Biblioteca Apostolica e il nuovo palazzo pontificio che è l’attuale residenza del papa.

L’edifico fu completato, durante il pontificato di Clemente VIII da Taddeo Landini, a cui si deve la splendida Sala Clementina, decorata da Giovanni e Cherubino Alberti e Paolo Bril. Nel 1580, Papa Gregorio XIII commissionò la Galleria delle Mappe sul lato ovest del cortile del Belvedere.

Dal seicento ad oggi

La Scala Regia, uno dei più importanti capolavori di Gian Lorenzo Bernini, fu l’unica opera di rilievo del XVII secolo realizzata nel Palazzo Apostolico, sotto Alessandro VII e collega la Basilica di San Pietro con le stanze di Raffaello e la Cappella Sistina.

Nel 1807, ad opera dello scultore classico Antonio Canova, fu avviata la costruzione del Museo Chiaramonti composto dalla Galleria Chiaramonti, dalla Galleria Lapidaria e dal Braccio Nuovo. Papa Gregorio XVI aprì nel 1837 il Museo Etrusco con reperti degli scavi dall’Etruria e nel 1839 il Museo Egizio con scavi e monumenti dall’Egitto.

Il ritorno definitivo del Papa nel Palazzo Apostolico in Vaticano avverrà soltanto con Pio IX (1846 – 1878) in seguito all’unificazione politica dell’Italia e la presa di Roma nel 1870.

Inaugurazione

Anche se il papa Giulio II concesse solo ad artisti, nobili e studiosi il privilegio di ammirare alcuni capolavori d’arte esposti nel Palazzetto del Belvedere (oggi parte del Museo Pio-Clementino), i Musei Vaticani furono aperti al pubblico soltanto nel 1771 per volere di Papa Clemente XIV.

Cosa vedere: i Musei

I Musei, prima di raccontare la storia delle prestigiose collezioni, simboleggiano gli ambienti di rappresentanza dei pontefici che si sono succeduti nel corso dei secoli. L’immensa collezione accumulata dalla Chiesa cattolica romana, vanta alcune delle più famose sculture romane e i più grandi capolavori dell’arte rinascimentale nel mondo.

Pinacoteca vaticana

Nelle 18 grandi sale della Pinacoteca Vaticana, una delle gallerie d’arte più importanti d’Europa, si possono ammirare i capolavori d’arte dal periodo tra l’XI e il XIX secolo. Naturalmente lo spazio preponderante è dedicato al Rinascimento con gli artisti che lo hanno maggiormente contraddistinto.

Intorno alla fine del XVIII secolo Papa Pio VI diede vita alla collezione con solo 118 magnifici dipinti, alcuni dei quali furono trasferiti da Napoleone a Parigi per il Trattato di Tolentino (1797). Dopo la caduta di Napoleone nel 1817, i dipinti ritornarono in possesso della Chiesa anche grazie all’impegno dello scultore Antonio Canova. e da qui l’idea di allestire una moderna galleria d’arte aperta al pubblico.

Papa Pio XI nel 1932, con il proposito di valorizzare e far conoscere l’ingente patrimonio storico-artistico dei pontefici, inaugurò la nuova pinacoteca realizzata dall’architetto Luca Beltrami com le opere che vanno dal Medioevo al 1800.

Negli anni successivi la collezione ha continuato ad ampliarsi con donazioni da privati e acquisti raggiungendo l’odierno nucleo di 460 tele, suddivise cronologicamente e secondo la scuola: dai cosiddetti Primitivi del XII fino al XIX secolo.

Grandi artisti della storia dell’arte italiana sono presenti nella collezione con i loro capolavori: Giotto, Beato Angelico, Perugino, Pinturicchio, Raffaello, Giovanni Bellini, Leonardo, Tiziano, Veronese, Caravaggio, Peter Wenzel e gli arazzi di Pieter van Aelst.

Tra i dipinti più famosi citiamo:

• Giotto: Polittico Stefaneschi
• Raffaello: Madonna di Foligno, Pala Oddi e Trasfigurazione
• Leonardo da Vinci: San Girolamo nel deserto
• Caravaggio: La Sepoltura di Cristo
• Perugino: Madonna col Bambino e santi e Resurrezione di San Francesco al Prato
• Filippo Lippi: L’Inconorazione Marsuppini, tempera su tavola
• Olivuccio di Ciccarello: Opere di Misericordia
• Jan Matejko: Giovanni III Sobieski libera Vienna dall’assedio dei Turchi, il più grande quadro dei musei.

Museo Pio-Clementino

Fondato da papa Clemente XIV nel 1771 ed ampliato dal 1775 al 1799 dal suo successore Pio VI, il museo ebbe origine per valorizzare e promuovere le più importanti opere d’arte greche e romane dal Vaticano.

È il più grande dei musei vaticani con le sue quattordici sale espositive, suddivise su due livelli che presentano opere e reperti archeologici dal III secolo a.C. al XIX secolo.  Tra le statue più famose: Apollo del Belvedere, una copia romana in bronzo basata sull’originale greco, che fu probabilmente realizzata da Leochares (330-320 a.C.) e la Apoxyomenos (I secolo d.C.), in marmo, copia romana da un originale bronzeo di Lisippo (terzo quarto del IV secolo a.C.).

L’opera più famosa del museo, ritrovata nel 1506 tra le rovine delle Terme di Tito a Roma è il Gruppo scultoreo del Laocoonte, una copia romana del I secolo d.C. dall’originale in bronzo greco del II secolo a.C., opera di Aghesandro, Polydoro e Athenodoro, scultori di Rodi.

L’eccezionale capolavoro riscosse l’ammirazione di Michelangelo che lo definì «un portento d’arte» e fu acquistato dal papa Giulio II per il Vaticano. L’itinerario museale inizia dalla Sala a Croce greca e si completa con la Galleria dei Candelabri secondo questo ordine:

• I  Sala a Croce Greca: Sarcofago di sant’Elena, Sarcofago di Costanza entrambi in porfido rosso
• II  Sala Rotonda: Statua colossale di Antinoo (130 d.C.), Statua di dea Demetra in marmo, Testa colossale di Adriano (inizio II secolo), Statua colossale di Ercole
• III  Sala delle Muse: Torso del Belvedere (I sec. a.C.), Statue della Musa Talia, della Musa Calliope, di Apollo che suona la cetra (III secolo a.C.), tutte in marmo.
• IV  Sala degli Animali: Gruppo scultoreo con Centauro marino, Statua di Meleagro (150 a.C. ca.), Gruppo scultoreo con Mitra uccide il toro primigenio (II secolo d.C.), tutte in marmo. Statua di giaguaro (1795) in alabastro
• V  Gallerie delle Statue: Statua di Arianna dormiente, (II sec. a.C.), Coppia di candelabri (II secolo d.C.), Eros di Centocelle, (IV sec. a.C.), Statua di Apollo sauroktonos, Statua di Amazzone ferita, copia romana da orinale bronzeo greco di Fidia (330 a.C. ca.), dedicata all’Artemide di Efeso.
• VI  Sala dei Busti: Statua di Giove Verospi (III sec. d.C.), Ritratto di Menelao con elmo da parata (II sec.), Ritratto di Giulio Cesare (30 – 20 a.C.), Busto di Traiano (108 – 111 d.C. ca.), Ritratto di Antonino Pio (148 d.C. ca.), Busto di Marco Aurelio (164 – 166 d.C. ca.), Busto di Commodo ventenne (180 d.C. ca.), Ritratto di Caracalla, tutte opere in marmo
• VII  Gabinetto delle Maschere: Statua di Venere accovacciata, (III sec. a.C.)., Statua della Afrodite Cnidia, in marmo, (metà del IV sec. a.C.), realizzata da Prassitele, Gruppo scultoreo delle Tre Grazie (II sec. d.C.)
• VIII  Cortile Ottagono: Apollo del Belvedere (130 – 140 d.C.), Statua distesa di dio fluviale (II secolo d.C.), Gruppo scultoreo del Laocoonte con i figli avvolti dalle spire di due serpenti (prima metà del I secolo d.C.), Statua di Hermes (inizio II sec. d.C.), Statua di Venere felice (170 d.C. ca.), Statua di Perseo trionfante con la testa di Medusa (1800 – 1801), di Antonio Canova, Sarcofago con generale romano e sarmati (180 d.C. ca.), tutte opere in marmo.
• IX  X, Vestibolo rotondo e Gabinetto dell’Apoxyomenos: Statua dell’Apoxyomenos (I secolo d.C.), in marmo, copia romana da un originale bronzeo di Lisippo (ca. IV secolo a.C.), Ritratto del cosiddetto “Ennio” con la testa cinta da una corona d’alloro (metà del II secolo a.C.), Ara Casali (inizio III secolo d.C.) con Scene di leggende troiane e romane
• XI  Vestibolo: qui si trova uno degli accessi alla Scala del Bramante (inizio del XVI secolo), fatta costruire da papa Giulio II, per creare un ingresso esterno al palazzetto. Di particolare interesse: Rilievo con una bireme da guerra, in marmo
• XII  Vestibolo quadrato: Sarcofago di Lucio Cornelio Scipione Barbato (metà del III sec. a.C.), in nefro (varietà grigia di tufo)
• XIII  Sala della Biga: Cassa di biga (I sec. d.C.), in marmo, Discobolo (II sec. d.C.), copia romana da un originale bronzeo che di Mirone (560 – 550 a.C.)
• XIV  Galleria dei Candelabri: Sarcofago con rilievi con Scene del mito di Protesilaos (170 d.C.), Coppia di candelabri (inizio II sec. d.C.), Sarcofago con rilievi raffiguranti la Strage dei Niobidi (160 d.C.), Statua di bambino che strozza l’oca, Tyche (Fortuna) di Antiochia sull’Oronte, seduta sulla roccia, Statua di Atalanta (I sec. a.C.), attribuita a Prassitele, Statua di guerriero persiano, tutte opere in marmo.

Museo Pio Cristiano

Provengono dal palazzo del Laterano, residenza papale fino al 1304, le opere esposte nel Museo Pio Cristiano che ospita sarcofagi e statue datate tra il II e il V secolo d.C. La sua fondazione nel 1854 fu opera del Papa Pio IX che ne decise la realizzazione pochi anni dopo l’inizio degli scavi affidati alla Commissione per l’Archeologia Sacra.

Il museo è diviso in due grandi sezioni: la sezione che mostra i monumenti architettonici, scultorei e musivi, e la sezione che raccoglie materiale epigrafico, suddiviso per età e soggetti.

Il ritrovamento archeologico più famoso del Museo Pio Cristiano è la Statua del “Buon pastore con agnello“, datata 300-350 ca. d.C. realizzata da uno scultore anonimo. La scultura in marmo bianco è stata rinvenuta nelle Catacombe di San Callisto, ed è la statua più antica al mondo di Gesù Cristo, la prima rappresentazione di Cristo in assoluto.

L’opera raffigura un giovane pastore con lunghi capelli ricci con una tunica senza maniche, una borsa a tracolla e un agnello sulle spalle. La statuetta è l’unico pezzo trovato di un bassorilievo originariamente decorato su un sarcofago particolarmente ricco.

Museo Chiaramonti

Il Museo Chiaramonti prende il nome da Papa Pio VII (Barnaba Niccolò Chiaramonti), che commissionò il progetto ad Antonio Canova e fu inaugurato nel 1807. I canoni per la disposizione delle opere furono stabiliti dallo stesso Canova, che aspirava a esibire congiuntamente le tre arti sorelle:

• scultura
• architettura
• pittura

La sezione della scultura ricca di miglia di reperti antichi, tra ritratti di imperatori, di divinità, fregi e rilievi di sarcofagi. La sezione architettura caratterizzata dalle mensole ottenute da antiche cornici architettoniche e la pittura nel ciclo degli affreschi eseguiti da giovani artisti dell’epoca con lo stesso Canova come mecenate.

Tre sono le gallerie che compongono il museo:

• La Galleria Chiaramonti
• Il Braccio Nuovo
• La Galleria lapidaria

La collezione della galleria Chiaramonti, una grande costruzione ad arco, contiene circa un migliaio di sculture, ritratti imperiali, sarcofagi e fregi. Un colonnato lungo 300 e largo 6,70 metri, progettato da Bramante, ha in entrambi i lati del lungo corridoio opere in marmo dell’Impero romano, per lo più copie di originali greci. Eracle con il figlio Telefo, Dioniso con Satiro, una copia della Niobe ammantata.

Nel Braccio Nuovo sono ospitate statue famose, ritratti imperiali e copie romane di famosi originali greci nelle 28 grandi nicchie ad arco su ciascun lato, 15 nicchie rettangolari per statue e 32 piedistalli per busti.

La volta a botte, decorata con rosette in stucco è intervallata da 12 finestre che illuminano le opere d’arte esposte. Di rilevante importanza la statua colossale del Nilo, copia romana di sculture greche del I secolo d.C e la statua di Augusto ritrovata a Prima Porta, una copia romana di Doriforo, sull’originale dello scultore greco Policleto (440 a.C.) e due splendidi pavoni in bronzo dorato.

Nella Galleria lapidaria si trova la più grande collezione di questa tipologia al mondo. Sono circa 3400 “pagine” incise su lastre, cippi, are, sarcofagi dal I a. C. al VI secolo d. C. distribuite in 48 pareti in base al tema: religione, imperatori, esercito, mestieri, famiglia, cristianesimo etc… La galleria è una fonte inestimabile per conoscere il mondo antico, i popoli, le nazioni, le classi sociali e i rapporti internazionali.

Museo Gregoriano egizio

Le vestigia degli antichi faraoni acquisiti dai papi alla fine del XVIII secolo, sono ospitate in stanze decorate dallo scultore pittore Giuseppe De Fabris in in stile retrò egiziano.

Fu Papa Gregorio XVI che fece fondare il Museo Gregoriano Egizio nel 1839. La struttura ospita monumenti e reperti dell’antico Egitto provenienti in parte da Roma e da Villa Adriana vicino a Tivoli nonché i ricchi reperti e le statue che erano state trasportate a Roma durante il dominio degli imperatori.

Il Museo occupa nove sale di cui le ultime due ospitano reperti dell’antica Mesopotamia e della Siria-Palestina. La seconda sala ha alcuni sarcofagi di mummie dipinte, gioielli e altri ornamenti funerari. Le pregevoli statue in basalto nero di una fontana che decorarono la villa dell’Imperatore Adriano sono nella terza sala.

Nella sala 5 si trovano meravigliose statue di faraoni, regine e divinità risalenti al 21 ° secolo a.C. Sculture, iscrizioni e rilievi dell’antica Assiria, Anatolia e altre culture mediorientali sono dislocate nelle altre sale.

Museo Gregoriano etrusco

Il Museo Gregoriano Etrusco fondato da Papa Gregorio XVI nel 1837, presenta reperti archeologici dell’Etruria meridionale come vasi e bronzi dall’Italia ellenizzata con reperti di epoca romana. La collezione comprende anche una vasta raccolta di reperti scoperti nel 1828 durante gli scavi effettuati nei siti di alcune tra le più importanti città dell’antica Etruria e nelle tombe vicino a Vulci.

Nelle sale è possibile ammirare gli originali cicli pittorici cinquecenteschi, tra cui affreschi dei pittori Federico Barocci e Federico Zuccari, Santi di Tito e Niccolò Circignani detto il Pomarancio, nonché opere murali a tempera di grande interesse risalente alla fine del XVIII secolo.

Il famoso Marte di Todi è una figura in bronzo a cera persa tecnicamente perfetta, ma non ancora ai livelli dello spirito degli insuperabili modelli greci. È uno dei rarissimi cimeli della statuaria antica italica pervenuta ai nostri giorni e raffigura un guerriero vestito di corazza e originariamente anche di un elmo andato pero’ perduto. Famosissima un’anfora greca del pittore e ceramista Exekias che mostra Achille e Aiace che giocano a dadi.

Museo Etnologico

Le Cappelle

Molti sono stati i papi che hanno fatto costruire la propria cappella nei palazzi abitati, un luogo privato di raccoglimento e di preghiera spesso impreziosito da decorazioni e affreschi di inestimabile valore fatti realizzare da famosi artisti del tempo e addobbato con cimeli e statue antiche.

Tra queste cappelle la più famosa è la Cappella Sistina che vanta un ciclo di affreschi unico al mondo sia alle pareti che sulla volta.

Cappella Sistina

La Cappella Sistina è una delle cappelle del Palazzo Apostolico e deve il suo nome al Papa Sisto IV Della Rovere che la fece costruire utilizzando le fondamenta e le pareti rimaste della vecchia Cappella Magna, una sala fortificata del Medioevo. Il progetto dell’architetto Baccio Pontelli mirava ad utilizzare le mura medievali fino a un terzo della loro altezza.

La costruzione iniziò all’inizio del 1475, e i lavori furono completati nel 1483. L’edificio a pianta rettangolare è lungo 40,9 metri, largo 13,4 metri e alto 20,7 metri, mentre il soffitto è una volta piatta.

Gli affreschi alle pareti mostrano, rispettivamente, scene orientali della vita di Gesù e Mosè e furono realizzati da grandi pittori del Rinascimento come Sandro Botticelli, Pietro Perugino, Domenico Ghirlandaio, Cosimo Rosselli e Luca Signorelli.

La cappella ha conquistato fama internazionale soprattutto per gli affreschi dipinti nella Volta da Michelangelo Buonarroti dal 1508 al 1512 su commissione di Papa Giulio II che rappresentano importanti episodi dell’Antico e del Nuovo Testamento.

Soprattutto la scena più nota e iconica “La Creazione di Adamo” è un’opera di fama mondiale e frequentemente riprodotta. Mostra come Dio Padre dona la vita ad Adamo toccandolo con il dito teso. Gli affreschi furono mostrati al pubblico nel novembre del 1512 e raffigurano scene della Genesi per un totale di 520 mq dipinti con 115 personaggi reali.

Venticinque anni dopo gli affreschi della volta, Papa Clemente VII chiese al genio fiorentino di decorare la parete dietro l’altare sacrificando le opere esistenti del Perugino. Michelangelo creò così, dal 1535 al 1541, Il Giudizio universale, dipingendo la grande parete con 300 figure, quasi tutti i maschi e angeli mostrati nella loro nudità.

È possibile approfondire l’argomento della Cappella Sistina sulla pagina dedicata alla “Volta“:

Cappella Niccolina

La Cappella Niccolina, una delle cappelle del Palazzo Apostolico, era votata a luogo privato per la preghiera di Papa Nicola V che la fece affrescare da Frate Beato Angelico che utilizzò l’oro delle Americhe come elemento decorativo nei ricchi dettagli architettonici.

Furono i primi due martiri cristiani il soggetto degli affreschi, con San Pietro, San Lorenzo e Santo Stefano, seguendo il racconto biblico degli Atti degli Apostoli. Purtroppo è andata perduta la Deposizione di Cristo, un tempo collocata sopra l’altare, ma la maggior parte delle opere del Frate Angelico è ancora fortunatamente ben conservata, in particolare le lunette negli archi della stanza e la meravigliosa volta con i quattro Evangelisti.

La visita alla cappella non è inclusa nei soliti tour turistici, ma può essere vista da speciali gruppi con prenotazione.

Le Stanze

Numerose sono le stanze nei palazzi vaticani che nel corso dei secoli sono state dimore dei papi o studi privati. Questi luoghi hanno sempre ospitato collezioni di dipinti o affreschi. Tra le stanze dei musei vaticani quelle di Raffaello sono le più famose.

Le Stanze di Raffaello

Realizzate da Raffaello e dai suoi allievi tra il 1508 e il 1524, le quattro stanze erano all’interno dell’appartamento al secondo piano del Palazzo Pontificio che Papa Giulio II della Rovere (1503 al 1513) aveva scelto come propria residenza.

Alla morte di Giulio II, soltanto due delle stanze erano completate. Fu Papa Leone X a continuare il progetto che, dopo la morte di Raffaello nel 1520, fu portato a termine dai suoi assistenti Gianfrancesco Penni, Giulio Romano e Raffaellino del Colle completando il ciclo degli affreschi nella Sala di Costantino. Le quattro sale rappresentano eventi storici così suddivisi:

• Sala di Costantino: con gli affreschi della Visione della Croce, Battaglia di POnte Milvio, Battesimo di Costantino, Donazione di Roma, Trionfo della religione Cristiana
• Stanza di Eliodoro: con gli affreschi de L’espulsione di Eliodoro dal tempio, La messa a Bolsena, L’incontro di Leone Magno e Attila, la Liberazione di San Pietro
• Stanza della Segnatura: con gli affreschi della Disputa del Santissimo Sacramento, Il Parnaso, La scuola di Atene, Le virtù cardinali
• Stanza dell’Incendio di Borgo: con gli affreschi de Il giuramento di Leone III, L’incoronazione di Carlo Magno, Incendio nel Borgo, La battaglia di Ostia.

Gli appartamenti dei Borgia

Bernardino di Betto, detto anche Pinturicchio, assieme ai suoi assistenti ebbe l’incarico di progettare gli appartamenti privati ​​di papa Alessandro VI Borgia. L’artista, descrivendo leggende e storie dell’Antico e del Nuovo Testamento,  affrescò sei sale dal 1492 al 1495. Le sale principali prendono il nome dai motivi dei loro affreschi:

• Sala delle Sibille
• Sala del Credo
• Sala della Madonna
• Sala dei Santi

La decorazione della Sala dei Pontifici del XVI secolo è opera di Giovanni da Udine e Pierin del Vaga, allievi di Raffaello. Il papa Leone XIII dopo un restauro completo delle stanze da parte del pittore Ludwig Seitz le aprì al pubblico.

Oggi parte della collezione di arte moderna è in mostra nell’appartamento Borgia, anche se nella maggior parte di queste sale è presente una collezione di arte religiosa moderna voluta da papa Paolo VI nel 1973. La collezione comprende circa seicento dipinti, sculture e grafica di artisti italiani e internazionali come Gauguin, Chagall, Klee e Kandinskij.

L’ingresso monumentale

I Musei Vaticani, sull’esempio degli storici musei come gli Uffizi, il Louvre, il Prado e l’Ermitage si sono organizzati e strutturati a modello di grande sistema museale già dalla fine degli anni Trenta per una corretta e proficua accoglienza dei visitatori.

Per poter visitare le splendide collezioni d’arte, archeologia ed etnologia create dai vari pontefici nel corso dei secoli, nel febbraio del 2000 è stato aperto un altro ingresso  con lo stemma di Papa Pio XI fiancheggiato dalle statue di Raffaello e di Michelangelo, nella parte settentrionale delle mura vaticane, accanto a quello vecchio in viale del Vaticano, non lontano da quello più antico dal Cortile di San Damaso.

Per agevolare l’uscita dell’enorme flusso di visitatori giornalieri dal complesso museale c’è l’avveniristica scala a doppia spirale elicoidale in rampa con la sua ringhiera progettata dall’architetto Giuseppe Momo nel 1929/1932, impreziosita dai rilievi in bronzo creati dallo scultore romano Antonio Maraini.

Come arrivarci:
Metro A (fermata Ottaviano e Cipro) – BUS 34, 46, 64, 98, 190F, 881, 916, 916F, 982, N5, N15, N20 (fermata Cavaleggeri/San Pietro) 590 (fermata Risorgimento) 23, 492, N11 (fermata Risorgimento/Porta Angelica) 23, 49, 492, 982, 990, N10 (fermata Crescenzio/Risorgimento) 32, 81 (fermata Risorgimento) 49 (fermata Viale Vaticano/Musei Vaticani) 31, 33, 180F, 247 (fermata Cipro/Metro A) 23, 492 (fermata Bastioni di Michelangelo) – Tram 19 (fermata Risorgimento/San Pietro) – FL3, FL5 (Stazione Roma San Pietro).

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