8 Ottobre - 28 Marzo 2026
Una grande retrospettiva di Alphonse Mucha, maestro dell’Art Nouveau e protagonista della Belle Époque. La mostra raccoglie oltre 150 opere tra manifesti, dipinti, illustrazioni e arti applicate, restituendo l’ampiezza di un artista che seppe trasformare il linguaggio grafico in arte e portare la bellezza nella vita quotidiana.
Palazzo Bonaparte – Piazza Venezia, 5
La mostra si configura come uno degli appuntamenti più attesi della stagione espositiva internazionale. L’evento offre al pubblico un itinerario attraverso l’universo creativo dell’artista ceco (1860, Ivancice (Moravia)- 1939, Praga (Repubblica Ceca), considerato il volto più riconoscibile dell’Art Nouveau e un innovatore che ha saputo intrecciare estetica, spiritualità e impegno sociale.
Il percorso abbraccia la sua intera carriera: dai celebri manifesti teatrali realizzati a Parigi per Sarah Bernhardt, ai cicli allegorici, dai bozzetti per gioielli e arti decorative fino ai dipinti monumentali dell’Epopea Slava. La mostra restituisce la complessità di Mucha, non solo come illustratore raffinato, ma come artista capace di tradurre in immagini un ideale universale di bellezza e armonia. Per il pubblico, si tratta di un viaggio che consente di conoscere un autore iconico ma anche di scoprire dimensioni meno note della sua ricerca.
Alphonse Mucha nacque a Ivančice, in Moravia, nel 1860. Fin da giovanissimo dimostrò inclinazione per il disegno e la musica, un talento che lo spinse a studiare a Brno e poi a Vienna, dove si avvicinò al mondo del teatro lavorando come decoratore di scenografie. Dopo un periodo a Monaco di Baviera, si trasferì a Parigi nel 1887 (nel quartiere di Montmartre), entrando in contatto con numerosi artisti (tra cui Gauguin). La città costituiva allora la capitale mondiale delle arti. Lì si iscrisse all’Académie Julian e all’Académie Colarossi, frequentando ambienti cosmopoliti e innovativi.
Parigi, in quel periodo, viveva il pieno splendore della Belle Époque: un’epoca di trasformazioni sociali, fermenti intellettuali e grandi sperimentazioni artistiche. Impressionismo, simbolismo e nascente grafica pubblicitaria convivevano in un panorama variegato, aperto all’ibridazione tra arti maggiori e arti applicate. In questo contesto Mucha seppe distinguersi grazie a uno stile personale che univa il linearismo fluido delle decorazioni medievali e bizantine con un raffinato senso cromatico e simbolico.
Il successo arrivò quasi per caso: nel dicembre del 1894 l’attrice francese Sarah Bernhardt necessitava di un manifesto per lo spettacolo Gismonda, un’opera teatrale di Victorien Sardou. Mucha, incaricato in sostituzione, creò un’immagine che destò enorme sensazione per il formato verticale, le tonalità delicate e la figura slanciata dell’attrice avvolta da motivi ornamentali. Quel manifesto non fu solo pubblicità: fu un’opera d’arte a tutti gli effetti. La Bernhardt rimase talmente colpita da stipulare con lui un contratto di collaborazione che durò sei anni. Da quel momento Mucha divenne il protagonista assoluto della scena parigina, e i suoi manifesti furono strappati dai muri per essere collezionati.
L’arte di Mucha si distingue per alcune caratteristiche costanti: l’uso della linea fluida, quasi musicale, che delinea figure e decorazioni; la centralità della figura femminile, spesso trasfigurata in allegoria; la ricchezza di motivi ornamentali ispirati alla natura, con fiori, tralci, stelle e arabeschi; una tavolozza cromatica luminosa, con tonalità pastello che conferiscono armonia e leggerezza. A questi elementi si aggiunge una forte componente simbolica, che attinge al misticismo slavo e alle tradizioni popolari della sua terra d’origine.
La figura femminile è il nucleo iconografico dell’arte di Mucha. Non semplici ritratti, ma incarnazioni allegoriche: le stagioni, le arti, le virtù, persino concetti astratti come la speranza o la musica trovano corpo in donne idealizzate, dai volti delicati e dai gesti solenni. Queste immagini, sospese tra sensualità e spiritualità, divennero modelli visivi capaci di sintetizzare l’ideale estetico dell’Art Nouveau.
Prima di Mucha, il manifesto era considerato un mezzo effimero di comunicazione commerciale. Con lui divenne arte collezionabile. Le sue opere trasformarono lo spazio urbano in gallerie all’aperto, contribuendo a diffondere un’estetica condivisa che raggiungeva un pubblico vasto. L’arte, attraverso la grafica, usciva dagli spazi elitari dei musei per diventare esperienza quotidiana.
L’Art Nouveau nacque come reazione contro l’eclettismo e l’accademismo ottocentesco, proponendo un linguaggio unitario basato sulla linea curva e sull’integrazione tra arti. In architettura, pittura, scultura, design e arti decorative, si affermava un ideale di bellezza organica, ispirata alla natura e ai suoi ritmi. Mucha, pur essendo riconosciuto come volto simbolico di questa corrente, ebbe una posizione peculiare: accanto alla decorazione, sviluppò una dimensione spirituale e utopica che lo distingue da altri protagonisti dell’epoca.
In Italia l’Art Nouveau prese il nome di Stile Liberty, con figure come Galileo Chini e Duilio Cambellotti. Pur con linguaggi differenti, esiste un parallelismo interessante: come Mucha, anche gli artisti italiani cercarono di unire arti maggiori e minori, promuovendo un’estetica diffusa che coinvolgesse l’arredamento, la grafica, le arti applicate. Questo confronto aiuta a comprendere l’importanza di Mucha nel quadro europeo: egli non fu un semplice illustratore, ma un ideatore di un linguaggio trasversale che influenzò diversi ambiti creativi.
Mucha non concepì mai la propria arte come mero esercizio stilistico. Anche nei manifesti più decorativi, si percepisce la volontà di creare immagini che potessero avere un valore universale, in grado di parlare a tutti. Questo spiega la sua successiva evoluzione verso progetti monumentali come l’Epopea Slava, in cui l’arte diventa veicolo di coscienza storica e di aspirazione politica. L’Art Nouveau per Mucha fu dunque un punto di partenza, non un punto di arrivo.
Se altri artisti dell’Art Nouveau privilegiavano la dimensione ornamentale, Mucha volle andare oltre: per lui la decorazione era il linguaggio attraverso cui esprimere spiritualità, identità e armonia. In questo senso, la sua arte si pone come ponte tra la sfera estetica e quella ideale, offrendo un messaggio che ancora oggi conserva intatta la sua forza.
La mostra non si limita a esporre opere: invita i visitatori a varcare una soglia, a entrare nel cuore pulsante dell’universo di Mucha. Con oltre centocinquanta creazioni, sembra di vagare in un giardino di immagini in cui ogni manifesto, ogni studio, ogni visione diventa una porta che conduce altrove.
Ecco Gismonda, che si erge come un inno teatrale del 1894; Médée (1898), ardente del suo fuoco tragico; JOB (1896), che ondeggia tra spire di fumo e seduzione.
E poi le costellazioni femminili di The Stars (1902), esseri celestiali scintillanti come spiriti antichi, accanto alla nobiltà cromatica di Precious Stones (1900), dove la donna si fa gemma, elemento naturale, mito luminoso.
La mostra è strutturata come una vera e propria retrospettiva tematica che accompagna il visitatore dalle origini parigine del successo fino agli anni dell’impegno utopico e politico. Oltre opere scandiscono il percorso, organizzato in sezioni che mostrano la versatilità di un autore che seppe passare dal manifesto alla pittura, dalle arti decorative al design. L’allestimento, accuratamente studiato, ricrea l’atmosfera della Belle Époque, ma restituisce anche la dimensione spirituale e monumentale di Mucha, con ambienti dedicati ai suoi progetti di più ampia portata.
Il percorso si apre con la sezione che rese Mucha celebre in tutta Europa: i manifesti per il teatro. A partire dal celebre Gismonda (1894), i lavori per Sarah Bernhardt conquistarono Parigi e imposero un nuovo standard estetico. Le figure slanciate, i motivi ornamentali, le aureole decorative intorno al capo delle attrici, i colori raffinati: tutto concorreva a trasformare un’immagine pubblicitaria in un’icona culturale. Importanti furono le commissioni da famose aziende come Nestlé, Moët & Chandon, JOB, Ruinart, Perfecta e Waverley che si avvalsero dei manifesti pubblicitari di Mucha.
Con i manifesti di Mucha, la città stessa divenne una galleria all’aperto. Passeggiando per i boulevards parigini, i cittadini incontravano immagini che superavano la funzione commerciale per farsi arte. Non sorprende che molti di quei manifesti venissero staccati dai muri e collezionati, a testimonianza di un fenomeno senza precedenti. L’arte si diffondeva così al di fuori dei musei, entrando direttamente nella vita quotidiana.
La seconda sezione della mostra è dedicata alle allegorie, uno dei temi più caratteristici della produzione di Mucha. Cicli come Le Stagioni, Le Ore del Giorno, Le Arti sono esempi perfetti di un linguaggio in cui la figura femminile diventa incarnazione di concetti universali. Le donne raffigurate non sono individui concreti, ma simboli viventi, immerse in scenografie naturali ornate da fiori, stelle e motivi geometrici.
Queste allegorie rivelano la volontà di Mucha di andare oltre il dato estetico. La decorazione diventa linguaggio simbolico, capace di trasmettere valori spirituali e morali. Le Stagioni, per esempio, non sono semplici raffigurazioni del ciclo naturale, ma meditazioni sul tempo, sulla vita e sulla bellezza. L’arte decorativa si eleva a strumento di riflessione universale.
La mostra dedica ampio spazio al contributo di Mucha alle arti applicate. Collaborazioni con gioiellieri, orafi, ceramisti e produttori di mobili testimoniano la volontà di rendere l’arte parte integrante della vita quotidiana. Bozzetti per gioielli, vetrate, oggetti d’arredo mostrano un talento capace di coniugare estetica raffinata e funzionalità.
Per Mucha non esisteva distinzione tra arte alta e arte minore: tutto poteva essere trasformato dalla bellezza. In ciò si riconosce l’influenza delle Arts and Crafts britanniche, ma anche l’originalità di un approccio che poneva l’accento sul valore educativo ed etico dell’estetica. I suoi gioielli, ad esempio, non erano semplici ornamenti, ma simboli carichi di significati culturali e spirituali.
Una sezione centrale della mostra è dedicata al Mucha pittore, troppo spesso oscurato dalla fama dei manifesti. L’opera più ambiziosa è l’Epopea Slava, un ciclo di venti tele di dimensioni monumentali, realizzate tra il 1910 e il 1928. In queste opere, l’artista celebrava la storia e l’identità dei popoli slavi, dando vita a un progetto che univa estetica e politica.
L’Epopea Slava non era soltanto un atto di orgoglio nazionale: era la concretizzazione di un’idea di arte universale, capace di unire i popoli attraverso la bellezza e la memoria storica. Finanziata dal mecenate americano Charles Richard Crane, l’opera fu concepita come dono alla nazione ceca, ma aveva un respiro più ampio: aspirava a rafforzare i legami spirituali tra i popoli e a proporre un ideale di fratellanza.
La retrospettiva include anche sezioni meno note ma preziose: disegni preparatori, bozzetti grafici, fotografie scattate dall’artista, illustrazioni per libri e riviste. Questi materiali rivelano la metodologia di lavoro di Mucha, la sua attenzione al dettaglio e la sua versatilità. Non un artista legato a un solo medium, ma un creativo che sapeva muoversi tra discipline diverse con naturalezza.
Mucha considerava l’arte come strumento di elevazione morale e culturale. Le sue opere decorative, sebbene raffinatissime, non avevano solo una funzione estetica: volevano educare, ispirare, trasmettere valori universali. La bellezza, per lui, era un linguaggio capace di parlare a tutti, indipendentemente dal livello sociale o culturale. Questa visione lo spinse a impegnarsi in progetti monumentali e a concepire l’artista come guida spirituale della società.
L’impatto di Mucha si avverte ancora oggi. Le sue linee sinuose, le figure femminili allegoriche, i motivi ornamentali sono diventati archetipi visivi che continuano a ispirare la grafica contemporanea, il design, la moda, persino l’immaginario pop. Lungi dall’essere un artista relegato a una stagione storica, Mucha è un precursore della cultura visuale moderna.
I manifesti di Mucha sono stati riscoperti negli anni Sessanta e Settanta dal movimento psichedelico, che ne ha reinterpretato le forme fluide e i colori vibranti. Ancora oggi, le sue immagini appaiono in copertine di dischi, collezioni di moda, illustrazioni digitali. La sua influenza testimonia la capacità dell’arte di attraversare epoche e di rinnovarsi continuamente.
La retrospettiva di Palazzo Bonaparte offre una visione completa di Mucha, presentando non solo i capolavori grafici più noti, ma anche opere meno conosciute, disegni preparatori, dipinti e progetti decorativi. È un’occasione rara per scoprire la complessità di un artista troppo spesso ridotto a icona dell’Art Nouveau, ma in realtà portatore di una visione molto più ampia e profonda. Nella mostra ci sarà un’ospite d’onore dei Musei Reali di Torino, la Venere di Sandro Botticelli, personificazione universale di eterna bellezza, ma anche opere di Giovanni Boldini, Cesare Saccaggi, opere rinascimentali, arredi e oggetti Art Nouveau.
Visitare la mostra significa immergersi in un universo estetico di straordinaria bellezza, ma anche riflettere sul ruolo dell’arte nella società. L’armonia delle forme, la forza simbolica delle allegorie, l’ambizione utopica dell’Epopea Slava invitano il pubblico a interrogarsi sul rapporto tra arte, spiritualità e comunità.
Le opere di Mucha, pensate per spazi pubblici e per un pubblico ampio, conservano ancora oggi questa dimensione collettiva. La mostra restituisce la potenza di immagini che, pur nate oltre un secolo fa, continuano a parlare con freschezza e intensità. Un’occasione per comprendere quanto l’arte possa contribuire a costruire identità e senso di appartenenza.
In un’epoca di immagini effimere e comunicazione veloce, Mucha rappresenta un esempio di come l’arte possa unire rigore estetico e messaggio universale. La sua lezione rimane attuale: creare bellezza non per pochi, ma per tutti; trasformare l’ordinario in straordinario; fare dell’arte uno strumento di dialogo e crescita. Motivi più che sufficienti per non perdere questa retrospettiva.
Con il patrocinio del Ministero della Cultura, della Regione Lazio, del Comune di Roma – Assessorato alla Cultura, dell’Ambasciata della Repubblica Ceca e del Centro Ceco presso Ambasciata della Repubblica Ceca, la mostra è prodotta e organizzata da Arthemisia, in collaborazione con la Mucha Foundation e i Musei Reali di Torino. La curatela è di Elizabeth Brooke e Annamaria Bava, con la direzione scientifica di Francesca Villanti.
A cura di Eleonora Luongo
Il percorso di visita è pensato per guidare gli studenti alla scoperta del linguaggio e dello stile dell’artista, sviluppando la capacità di osservare, comprendere e interpretare le opere nel loro contesto storico e culturale. Attraverso metodologie e linguaggi adeguati all’età, i partecipanti saranno accompagnati in un’esperienza attiva che unisce curiosità, conoscenza e creatività.
Per la scuola dell’infanzia e primaria, la visita diventa un racconto visivo sull’artista e sul suo modo di trasformare la realtà in immagine. Per la scuola secondaria, l’approfondimento si concentra sull’analisi dello stile, delle tecniche e delle influenze culturali. Per adulti e gruppi, il percorso offre una lettura critica dell’opera e del contesto storico-artistico in cui essa si inserisce. Al termine della visita, è previsto un dossier di approfondimento per continuare l’esperienza educativa.
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