12 Febbraio - 5 Luglio 2026
La mostra propone un’ampia rilettura dell’opera dell’artista scozzese (1951–2025), figura centrale e controversa della scena dell’arte contemporanea internazionale. Attraverso una selezione significativa di dipinti, l’esposizione invita il pubblico a confrontarsi con un immaginario seduttivo e narrativo, in cui memoria, desiderio e malinconia si intrecciano in una pittura di forte impatto visivo e simbolico.
Palazzo Velli Expo, Piazza Sant’Egidio, 10
“Jack Vettriano a Roma”, è un progetto espositivo che invita a misurarsi con un autore capace di occupare, con rara evidenza, la zona di confine tra consenso popolare e legittimazione istituzionale. Vettriano è stato spesso letto attraverso categorie riduttive: da un lato la seduzione immediata di immagini “narrative”, dall’altro l’accusa di un’estetica troppo accessibile, a tratti scambiata per leggerezza. Proprio per questo, una mostra che scelga il contesto romano, e lo collochi nel tessuto storico e urbano di Trastevere, può diventare un dispositivo critico: non per “assolvere” o “condannare”, ma per rendere visibile la struttura interna di una pittura che lavora sul desiderio, sulla memoria e sul teatro delle relazioni.
Le scene di Vettriano sono costruite come frammenti: non raccontano tutto, ma suggeriscono. La narrazione non è mai esplicita; al contrario, è affidata alla postura dei corpi, alla distanza tra i personaggi, alla luce che taglia lo spazio e, soprattutto, all’atmosfera. Qui risiede una delle ragioni della sua persistenza nell’immaginario: la pittura agisce come una macchina di proiezione, in cui lo spettatore completa ciò che manca, colmando i vuoti con esperienza e desiderio.
La vicenda biografica di Vettriano, nato Jack Hoggan nel 1951 nella contea scozzese di Fife, in un contesto familiare legato all’industria mineraria, non è un dettaglio ornamentale: è una chiave interpretativa della sua posizione nel sistema dell’arte. L’artista lascia presto la scuola e lavora in giovane età, avviandosi verso un impiego tecnico nell’ambiente minerario. La distanza da un percorso accademico, spesso richiamata dalla critica come limite, è in realtà anche il presupposto della sua autonomia fuori dal perimetro dell’istituzione, sviluppando un rapporto diretto con modelli della cultura visiva.
La svolta avviene in età adulta, quando un set di colori (acquerelli e materiali per dipingere) lo introduce a una pratica che diventa progressivamente necessaria. Vettriano inizia da autodidatta, nel tempo libero, copiando e studiando: un metodo antico, da bottega, in cui l’imitazione non è servile ma formativa. In questa fase, l’artista guarda a tradizioni diverse: dagli antichi maestri alle esperienze dell’Impressionismo, fino a suggestioni del Surrealismo e di una linea scozzese attenta al racconto e all’atmosfera. L’autodidatta qui non coincide con l’improvvisazione: coincide con la disciplina di chi apprende per stratificazione, scegliendo i propri riferimenti e costruendo una grammatica personale.
Il passaggio dall’orizzonte privato a quello pubblico si concentra in un episodio che, nella sua essenzialità, è rivelatore: la partecipazione all’annuale della Royal Scottish Academy a Edimburgo, dove i lavori esposti vengono acquistati rapidamente, aprendo un circuito di gallerie e attenzione mediatica. Questo evento non sancisce soltanto un “successo” iniziale; sancisce l’ingresso di un linguaggio figurativo, già fortemente riconoscibile, in un contesto professionale che lo costringerà a misurarsi con le aspettative del mercato e con l’inerzia della critica.
È in questo momento che l’artista adotta il nome Vettriano, derivato dal cognome materno (in alcune fonti riportato come Vettraino/Vettriano), legando la propria identità a una genealogia che include un’origine italiana: la madre discendeva da una famiglia con radici nel Lazio meridionale. Per una mostra a Roma, questo elemento non va inteso come semplice curiosità, ma come indizio di un’identità europea composita, in cui l’appartenenza è stratificazione e non etichetta. Vettriano, in altre parole, non è soltanto “scozzese”: è un artista che incarna una modernità fatta di passaggi, adozioni e reinvenzioni.
La qualità più evidente della pittura di Vettriano è la sua struttura cinematografica. Non si tratta di una citazione superficiale: la scena è spesso impostata come un’inquadratura, con un fuoco emotivo preciso e un contorno di ambiguità. La luce, quasi sempre artificiale o tagliente, funge da regia: isola i volti, accentua la trama dei tessuti, separa corpi e oggetti, creando una gerarchia dello sguardo. In molte opere, ciò che conta non è l’azione, ma l’istante prima o dopo: l’attimo in cui tutto può ancora accadere. Qui la pittura smette di essere descrittiva e diventa suspense.
L’eros non coincide con l’esibizione del corpo: coincide con la costruzione di una tensione. La sensualità appare attraverso dettagli: una spalla scoperta, un guanto, una sigaretta, un tacco; e soprattutto attraverso lo scarto tra vicinanza e distanza. L’attrazione tra i personaggi è spesso evidente, ma la comunicazione è fragile: i gesti si interrompono, gli sguardi si sfiorano senza incontrarsi. Questa ambivalenza produce una dimensione tipicamente moderna: l’intimità come teatro, il desiderio come enigma, l’amore come promessa e inquietudine.
Le ambientazioni, camere d’albergo, club esclusivi, sale da ballo, interni notturni, non sono semplici sfondi. Sono “set” che portano con sé un codice sociale: eleganza, controllo, apparenza. È dentro questo codice che si insinua l’inquietudine. Vettriano non dipinge soltanto coppie: dipinge rapporti in cui l’attrazione è sempre attraversata da un elemento di rischio, segreto o perdita. La borghesia, qui, non è tema sociologico ma atmosfera: un luogo mentale dove la forma protegge e insieme imprigiona.
Uno dei motivi più persistenti dell’opera di Vettriano è la solitudine. Anche quando la scena è affollata, ogni personaggio appare separato, come se esistesse in una bolla psichica. Questa qualità è ottenuta attraverso composizioni che enfatizzano i vuoti, le distanze e i bordi: spesso il quadro suggerisce un “fuori campo” che pesa quanto ciò che è rappresentato. In questo senso, Vettriano dialoga indirettamente con una linea della modernità figurativa attenta all’alienazione urbana e all’incomunicabilità: non per citazione dotta, ma per affinità di clima emotivo.
Il paesaggio costiero, vento, pioggia, cielo basso, ricorre come uno dei grandi “spazi simbolici” dell’artista. La spiaggia è il luogo dell’esposizione: i corpi sono visibili, vulnerabili; e al tempo stesso è il luogo della distanza, perché l’orizzonte allontana, diluisce, rende instabile. In queste scene, l’eleganza non cancella l’elemento naturale: lo attraversa. È qui che la malinconia diventa forma.
Il percorso espositivo si sviluppa attraverso una selezione di oltre ottanta opere, offrendo ai visitatori l’opportunità di approfondire l’opera di uno degli artisti figurativi più venduti e riprodotti della contemporaneità. La mostra non si limita a presentare un’antologia di immagini celebri, ma costruisce un dispositivo di lettura articolato, capace di restituire la complessità di un linguaggio pittorico fondato su atmosfera, narrazione e tensione emotiva.
Accanto a dieci dipinti a olio, che rappresentano il nucleo più riconoscibile della produzione di Vettriano, il percorso include opere su carta museale a tiratura unica e certificata, realizzate appositamente per l’esposizione romana. Questi lavori permettono di osservare da vicino la struttura compositiva delle opere: il ruolo del disegno, la costruzione dei corpi, l’uso della luce come elemento drammaturgico. La carta diventa così uno spazio di concentrazione, in cui la pittura si rivela come processo prima che come risultato iconico.
Un contributo significativo alla lettura dell’opera è offerto dal ciclo fotografico realizzato nello studio dell’artista da Francesco Guidicini, ritrattista ufficiale del Sunday Times. Queste immagini, lontane da una funzione puramente documentaria, introducono una riflessione sulla costruzione dell’immagine pubblica dell’artista e sul rapporto tra pittura, fotografia e media.
Il dialogo tra i dipinti e le fotografie mette in evidenza una costante della poetica di Vettriano: la consapevolezza della scena. Così come i suoi quadri appaiono costruiti come fotogrammi sospesi, anche lo studio dell’artista emerge come luogo di messa in scena, in cui il confine tra intimità e rappresentazione resta volutamente ambiguo.
Il percorso è arricchito da un video in cui Jack Vettriano racconta la propria vicenda artistica, soffermandosi sull’evoluzione del suo linguaggio pittorico e sul rapporto con il pubblico e la critica. L’inserimento di questo materiale audiovisivo non ha carattere celebrativo, ma assume valore interpretativo: consente di mettere in relazione l’autonarrazione dell’artista con le opere esposte, evidenziando continuità e tensioni tra intenzione, pratica e ricezione.
In questo contesto, la pittura di Vettriano emerge come un linguaggio costruito nel tempo, fondato su una ripetizione consapevole di temi e atmosfere, in cui eros, solitudine e desiderio diventano elementi strutturali di una visione coerente.
Ogni esposizione su Vettriano è chiamata a gestire un rischio: la riduzione dell’opera a un catalogo di immagini iconiche. La sfida consiste nel far emergere ciò che, sotto l’icona, permane come struttura: la ripetizione consapevole di motivi, la grammatica luministica, l’abilità di comprimere una storia in un gesto. L’allestimento a Palazzo Velli, in questo senso, può valorizzare il “controcampo”: opere meno note o più intime che permettono di comprendere l’ampiezza del suo registro, dalla scena apertamente teatrale a quella trattenuta, quasi sospesa nel silenzio.
La pittura di Vettriano non è soltanto costruzione narrativa: è lavoro di superficie. Tessuti, pelle, oggetti metallici, riflessi, ombre: tutto concorre a una qualità visiva che mira alla leggibilità immediata, senza rinunciare a una tensione interna. La materia è controllata, spesso liscia, ma la luce la rende vibrante; e questa vibrazione è ciò che trasforma una scena in stato d’animo. Il “realismo” di Vettriano è, in realtà, un realismo di atmosfera: vero non perché “somiglia”, ma perché produce un effetto di verità psicologica.
Collocare Vettriano in un palazzo storico nel cuore di Roma significa mettere in relazione due temporalità: da un lato la densità del luogo, dall’altro l’immaginario moderno (e modernista) di un artista che ha costruito scene da “metà Novecento” come se fossero miti contemporanei. La frizione è produttiva: l’architettura storica non addomestica le opere, ma ne amplifica il carattere scenico. In questo dialogo, l’esposizione invita anche a interrogare la natura stessa della figurazione oggi: perché, in un tempo di immagini digitali e velocità, una pittura così narrativa continua a esercitare attrazione?
Tra le opere più note associate a Vettriano, “The Singing Butler” (1992) rappresenta un punto di condensazione simbolica: una coppia elegantemente vestita danza su una spiaggia ventosa, mentre un maggiordomo e una cameriera reggono gli ombrelli. È un’immagine che lavora su contrasto e desiderio: leggerezza e clima avverso, romanticismo e precarietà, teatralità e malinconia. Nel 2004 il dipinto ha segnato un record d’asta con la vendita per £744.800, diventando emblema di come la popolarità dell’immagine possa tradursi in valore economico e, insieme, in memoria condivisa.
Attorno a quest’opera si è costruita una vera mitologia interpretativa: Vettriano stesso ha alimentato l’idea di una colonna sonora implicita, un canto che rende la scena ancora più cinematografica e nostalgica: Fly Me to the Moon. Qui l’elemento pop non impoverisce la pittura: la colloca in una rete di riferimenti accessibili, dove l’immaginazione dello spettatore, musicale, filmica, personale, completa il quadro. La forza dell’icona sta proprio nella sua apertura: è un’immagine “finita” e, al tempo stesso, infinitamente continuabile.
La traiettoria di Vettriano dimostra come il riconoscimento non sia mai univoco. Se una parte della critica ha mantenuto una distanza, l’artista ha ottenuto attestazioni istituzionali e mediatiche significative: tra queste, l’onorificenza di Officer of the Order of the British Empire (OBE) per i servizi alle arti visive, attribuita nei primi anni Duemila. L’OBE non “risolve” la questione critica, ma segnala la rilevanza pubblica del suo lavoro e la sua capacità di intercettare un immaginario ampio, trasversale, intergenerazionale.
L’evento romano si colloca dopo la scomparsa dell’artista, avvenuta nel marzo 2025 a Nizza. Questo dato non va letto in chiave commemorativa, ma come elemento che chiude un arco storico: Vettriano appartiene ormai a una stagione compiuta, e proprio per questo la sua opera può essere valutata con maggiore lucidità, oltre la contingenza di mode e contrapposizioni. In un’epoca che alterna iperconcettualismo e ritorni figurativi, la sua pittura resta un documento di desideri collettivi: di eleganza, di romance, di inquietudine.
Visitare la mostra significa incontrare un caso esemplare: un artista che, senza provenire dall’accademia, ha costruito un linguaggio di straordinaria riconoscibilità. Inoltre offre l’opportunità di osservare da vicino la coerenza di questa grammatica: luce, postura, atmosfera, set, eleganza come maschera, desiderio come tensione. E soprattutto consente di verificare come la figurazione possa essere ancora oggi un linguaggio complesso, capace di parlare di psicologia e di società senza ricorrere a dichiarazioni programmatiche.
Vettriano è spesso intrappolato tra due semplificazioni opposte: la liquidazione come “pittore facile” e la celebrazione acritica dell’icona popolare. Un’esposizione ben costruita può aiutare a uscire da entrambe le trappole. Il punto non è decidere se Vettriano sia “kitsch” o “culto”: il punto è comprendere quali meccanismi visivi attivi, quali desideri intercetti, quale idea di modernità metta in scena. In questo senso, la mostra diventa un laboratorio di lettura dell’immagine contemporanea: come nasce un’icona? come si ripete un motivo senza esaurirlo? come la pittura dialoga con cinema, pubblicità, fotografia e memoria collettiva?
La pittura di Vettriano richiede uno spettatore attivo. Ogni scena è un frammento: l’inizio e la fine restano fuori campo. Questo “non detto” è la vera forza del suo linguaggio: non impone un significato, ma costruisce un contesto emotivo in cui ciascuno riconosce qualcosa, un ricordo, un desiderio, una paura. È qui che Vettriano, al di là delle valutazioni di gusto, dimostra una qualità rara: l’abilità di rendere la pittura un’esperienza di proiezione, dove l’immagine non si consuma, ma continua.
Infine, la tappa romana ha un valore specifico. Roma è una città in cui la storia non è sfondo, ma sostanza; e proprio per questo l’incontro con un immaginario così “moderno”, fatto di sale da ballo, notti, hotel, spiagge, produce un cortocircuito fertile. La mostra invita a riflettere su una domanda più ampia: cosa cerchiamo oggi nelle immagini? Forse non soltanto innovazione formale, ma anche una narrazione in cui riconoscere desideri e contraddizioni. Vettriano, con la sua pittura di atmosfera, mette in scena proprio questo: la persistenza del romance e l’ombra che lo accompagna.
Chiara Campagnoli, Deborah Petroni e Rubens Fogacci della Pallavicini s.r.l., hanno organizzato la mostra in collaborazione con la Jack Vettriano Publishing, ed è curata dalla Dott.ssa Francesca Bogliolo. Il progetto curatoriale adotta un approccio rigoroso, evitando sia la celebrazione acritica sia la riduzione dell’artista a semplice fenomeno di mercato.
La curatela privilegia una lettura per nuclei tematici, mettendo in luce la coerenza interna dell’opera di Vettriano e la sua capacità di costruire immagini narrative che interrogano lo spettatore. Il patrocinio di Palazzo Velli rafforza il dialogo tra l’esposizione e il contesto storico-architettonico, trasformando lo spazio espositivo in un elemento attivo del racconto visivo, capace di amplificare la dimensione teatrale e psicologica della pittura.
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