27 Marzo - 29 Giugno 2026
Una panoramica autorevole dedicata a una delle figure più celebrate dell’ukiyo-e. La mostra ripercorre l’evoluzione artistica di Hokusai e il suo profondo impatto sulla cultura visiva giapponese e occidentale, presentando un racconto raffinato che coniuga profondità storica, rigore estetico e consapevolezza culturale.
Palazzo Bonaparte – Piazza Venezia, 5
“Hokusai. Il grande maestro dell’arte giapponese” si configura come una delle esposizioni più significative a Roma dedicate all’arte giapponese, offrendo un’esplorazione rigorosa e articolata dell’opera di Katsushika Hokusai (1760–1849). Concepite come un progetto di alto profilo scientifico ma al tempo stesso accessibile, le sezioni della mostra esaminano la lunga e inquieta carriera dell’artista, mettendo in luce la sua capacità di trasformare l’iconografia tradizionale in un linguaggio visivo dinamico e innovativo.
Attraverso un impianto curatoriale attentamente strutturato, la mostra colloca Hokusai nel quadro culturale e intellettuale del Giappone del periodo Edo, affrontando al contempo la sua straordinaria influenza sullo sviluppo dell’arte occidentale moderna. Il progetto si dispiega come un percorso visivo e concettuale che invita il visitatore a confrontarsi con temi quali la natura, il paesaggio, la vita quotidiana e il rapporto tra l’esperienza umana e le forze del mondo naturale. Senza ricorrere a retoriche celebrative, l’esposizione mette in primo piano la complessità della visione di Hokusai, sottolineandone il ruolo di figura cardine nella storia globale dell’arte.
Al centro dell’esposizione si colloca un’approfondita indagine sull’ukiyo-e, il genere artistico che fiorì in Giappone tra il XVII e il XIX secolo e all’interno del quale Hokusai sviluppò una voce distintiva. Letteralmente traducibile come “immagini del mondo fluttuante”, l’ukiyo-e comprendeva scene di vita urbana, paesaggi, attori, cortigiane e aspetti della cultura popolare, riflettendo i gusti e le aspirazioni di una società in rapido mutamento. Il contributo di Hokusai a questa tradizione fu al tempo stesso radicale e trasformativo: pur pienamente consapevole delle sue convenzioni, egli ne ampliò costantemente i confini tematici e formali.
L’opera di Hokusai rivela una profonda conoscenza dell’eredità visiva della pittura e della stampa giapponese, accompagnata da un impulso incessante alla sperimentazione. Le sue composizioni presentano spesso prospettive audaci, strutture asimmetriche e un uso sofisticato della linea che si discosta dai canoni consolidati. La mostra evidenzia come Hokusai abbia ridefinito le possibilità della stampa xilografica, elevandola da mezzo popolare a strumento di autentica espressione artistica.
All’interno dell’universo visivo dell’ukiyo-e, la rappresentazione della figura umana riveste un ruolo centrale e articolato. Lungi dal funzionare come semplici elementi narrativi, le figure nelle stampe ukiyo-e esprimono una complessa riflessione sull’identità, sui ruoli sociali e sulla natura transitoria dell’esistenza nel Giappone del periodo Edo. Hokusai affronta la figura umana non come forma idealizzata, ma come presenza viva, radicata nei gesti quotidiani, nel lavoro, nel tempo libero e nel rituale, rivelando una profonda sensibilità per i ritmi della vita ordinaria.
Artigiani, pescatori, viaggiatori, donne impegnate in attività domestiche e interpreti dello spettacolo animano le stampe di Hokusai con un senso di straordinaria immediatezza. Queste figure sono definite meno da una resa ritrattistica individuale che dalla chiarezza tipologica, incarnando ruoli riconoscibili all’interno del tessuto urbano e rurale della società giapponese. Attraverso un’economia di segno e posture espressive, Hokusai trasmette movimento, fatica ed emozione, trasformando istanti fugaci in immagini destinate a durare.
Un tratto distintivo del linguaggio figurativo di Hokusai è l’accento posto sul movimento corporeo. Le figure si piegano, si tendono, camminano, trasportano e lavorano, spesso in interazione diretta con le forze naturali o con lo spazio architettonico. Questo trattamento dinamico sottolinea la fisicità dell’esistenza umana e colloca il corpo come mediatore tra l’individuo e il mondo circostante. Il gesto diventa così uno strumento espressivo primario, capace di suggerire narrazione, lavoro o contemplazione senza ricorrere a una narrazione esplicita.
In linea con i presupposti filosofici dell’ukiyo, il “mondo fluttuante”, le figure umane sono spesso raffigurate come presenze transitorie, assorbite in azioni che sottolineano l’impermanenza dell’esperienza. Che siano impegnate nel piacere, nel lavoro o nel viaggio, esse appaiono soggette al tempo, al mutamento e alla contingenza. Il trattamento della figura da parte di Hokusai risuona così con più ampie riflessioni culturali sull’impermanenza, allineando la forma visiva a una consapevolezza etica ed esistenziale.
Un tema ricorrente lungo l’intero percorso espositivo è la natura, intesa non come semplice sfondo, ma come presenza attiva e spesso dominante. Montagne, fiumi, onde e fenomeni atmosferici diventano protagonisti dell’immaginario di Hokusai, incarnando tanto la bellezza quanto l’imprevedibilità del mondo naturale. Questo approccio riflette correnti filosofiche e spirituali più ampie della cultura giapponese, incluse le concezioni shintoiste e buddhiste del posto dell’uomo all’interno di un ordine cosmico più vasto.
Un’attenzione particolare è riservata al Monte Fuji, soggetto che occupa una posizione centrale nell’opera di Hokusai. Attraverso variazioni ripetute, la montagna si trasforma in un asse unificante attorno al quale si articolano questioni di permanenza, mutamento e percezione. La mostra contestualizza queste opere all’interno del significato religioso e culturale del Fuji, esaminandone al contempo le innovazioni formali e la chiarezza compositiva.
Comprendere l’arte di Hokusai richiede un’attenzione alla complessità della sua biografia e alla continua trasformazione della sua identità artistica. Nel corso della sua lunga carriera adottò numerosi nomi, ciascuno dei quali segnava una nuova fase del suo sviluppo creativo. Questa pratica, tutt’altro che aneddotica, riflette una concezione più profonda della vita artistica come processo di costante rinnovamento.
Nato a Edo (l’odierna Tokyo), Hokusai fu attivo per oltre sette decenni, producendo un corpus straordinario che comprende libri illustrati, stampe a foglio singolo, disegni e dipinti. La mostra segue questa evoluzione in senso cronologico, consentendo di cogliere al tempo stesso continuità e trasformazione nel suo linguaggio artistico. Le opere iniziali rivelano il suo interesse per soggetti popolari, mentre le produzioni più tarde mostrano una crescente attenzione al paesaggio, all’astrazione e alla sintesi formale.
Le straordinarie capacità di osservazione di Hokusai emergono con chiarezza nelle sue raffigurazioni della vita quotidiana, dove gesti, posture e attività sono resi con economia e precisione. La mostra mette in evidenza come queste scene, pur radicate nel contesto specifico della società del periodo Edo, possiedano una risonanza universale che trascende il tempo e lo spazio.
Una sezione dedicata esplora la pratica del disegno di Hokusai, che costituisce il fondamento di tutta la sua produzione. Taccuini e studi preparatori rivelano il suo approccio metodico alla forma e al movimento, così come la capacità di distillare scene complesse in elementi visivi essenziali. Questi materiali offrono una rara testimonianza della disciplina intellettuale che sostenne la sua straordinaria prolificità.
Il percorso espositivo è concepito come un viaggio tematico e cronologico, pensato per guidare il visitatore attraverso le principali fasi della carriera dell’artista, mettendo in risalto i nodi concettuali fondamentali. L’allestimento favorisce un confronto ravvicinato con le opere, stimolando una comprensione approfondita della maestria tecnica e dell’intelligenza compositiva di Hokusai.
Le sezioni iniziali si concentrano sul rapporto di Hokusai con la vivace cultura urbana di Edo, presentando opere che raffigurano artigiani, interpreti e scene di vita quotidiana. Progressivamente, il racconto si sposta verso il paesaggio, ambito in cui la visione dell’artista raggiunge un nuovo livello di ambizione e universalità. Questo passaggio non è presentato come una rottura, ma come una naturale estensione del suo interesse per il ritmo, il movimento e l’organizzazione dello spazio.
Una parte significativa dell’esposizione è dedicata agli aspetti tecnici della stampa su legno. Attraverso una selezione di opere, il visitatore è invitato a considerare la natura collaborativa del processo, che coinvolge disegnatori, incisori e stampatori. La mostra sottolinea come Hokusai abbia saputo sfruttare il potenziale espressivo della linea, del colore e della texture, raggiungendo effetti di straordinaria chiarezza e dinamismo.
L’analisi puntuale di alcune stampe mette in luce l’uso innovativo da parte di Hokusai di pigmenti importati, come il blu di Prussia, e il suo confronto con i principi prospettici occidentali. Questi elementi non sono esaminati come curiosità isolate, ma come componenti integranti di una più ampia strategia visiva volta ad ampliare le possibilità espressive dell’arte giapponese.
Visitarela mostra offre una rara opportunità di confrontarsi con un artista che ha ridefinito l’immaginario visivo di più culture. L’esposizione propone non solo un’introduzione per chi si avvicina per la prima volta all’arte giapponese, ma anche una lettura critica e approfondita per studiosi e pubblici informati.
La mostra affronta la profonda influenza esercitata da Hokusai sugli artisti occidentali tra XIX e XX secolo, dall’Impressionismo fino al graphic design moderno. Inserendo la sua opera in una prospettiva transnazionale, il progetto illumina i meccanismi dello scambio artistico e l’emergere di una cultura visiva autenticamente globale.
Oltre alla sua rilevanza storica, l’esposizione invita a riflettere su questioni durature legate alla percezione, alla natura e alla creatività. La capacità di Hokusai di coniugare rigore formale e libertà immaginativa dialoga con sensibilità contemporanee, rendendo la mostra al tempo stesso attuale e stimolante sul piano intellettuale.
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